国画教学论文例1

如《熊猫》一课，首先是让学生观看熊猫的图片或让学生讲述一些有关熊猫的故事等，在学生了解了有关熊猫的结构后讨论一下用墨的处理。再让学生分析熊猫的生活习性，或者讲述熊猫有关的动画片等，最后把自己所想表现的形象以及周围环境作进步的练习，并且完成一幅作品，这样学生有一个自由发挥的余地，给予创作的空间。

二、改变形式，提高学生的兴趣。

传统的教学中是以教师传授技法为主，重视画面的构图，每位学生在已有的框式下进行临摹，学生最终只能成为画匠。学生间的联系较少，缺少互相比较共同进步的机会。我在课堂教学中如《猴子》一课，是让学生观看猴子在现实生活中的录像，在分析猴子的结构特点以后再对用墨做了相应的要求，通过示范，学生对猴子的画法了解了，再让学生进行分析自己如何来完成一幅有趣的作品，通过练习，最后要求全班同学在一张长卷上共同完成一幅画。这时学生的自主性得到发挥，同学间的协助精神得到培养。通过共同作画学生能够相互取长补短。绘画水平得到提高，同时学生的绘画兴趣也越来越高。

三、多渠道，培养创新意识。

教育家陶行知先进言：“世界上人人是创造之人，时时是创造之时，处处是创造之地。”康德言：“人是借助令人惊异的能力——想象力创造文化的生物。”培养创新意识，首先需要以下几个条件：①创设一种宽松的教学气氛，使学生充分开展创造认知活动，产生乐于创造要求。②民主、亲密、平等与和谐的师生关系，是进行创造教学、培养儿童创造性的前提。③在创造教学的内容安排上，必须具备准确的有利于产生联想的指导理论和有利于创造思维的充分活动。

1、我在课堂教学中是这样安排的，如：学生之间或师生间共同讨论如何完成一幅画，例《公鸡》一课，在表现了公鸡以后，背景的处理可让学生各抒已见，进行讨论，教师尊重学生的选择，这样学生能够创造出丰富多彩的作品。

2、采用国画中的各种表现方法，如：①揉纸法，作画前先将纸揉成一团，然后轻轻展开，使皱纸平整后才能作画，也可有部分利用揉皱，用这种方法画出来有一种肌理效果，例画树干等。②没骨法、填色法、点染法、晕色法、平涂法、擦染法、洒落法、拓印法、加剂法等等，这样使学生能利用各种表现手法来对心中的事物进行描绘，使之能获得得成功感，提高学生的创作热情。

四、内容形式多，学生热情高。

传统的国画教学内容不外乎山水、人物、花鸟以传统的单墨进行着，小学的国画教学内容的选择应符合儿童的心理特征，贴近他们的生活。如描绘“我的家长”、“窗前”、“校园”等，这些对他们来说是非常熟悉的，所以绘画起来非常有劲，这对学生的创造思维也得到培养，同时学生在进行绘画时经常考虑到如何用笔、用墨和用色，这对学生绘画综合能力的提高是非常有益的。

五、工具材料的更新，使学生产生新奇。

受到传统国画的影响，学生头脑中绘画国画的材料是毛笔、墨汁、国画颜料。而我在教学中允许学生用水粉颜料，并且能用水粉画的方法作画，还可以用油画棒等材料来作画，这样学生在材料的应用上是多种多样的，学生乐意利用其它各种材料来进行绘画，效果也十分理想、兴趣很高。

美术教育家勒温费尔特说过：“儿童只要被给予充足的时间、帮助，获得与创造性材料接触的机会，而不被强迫接受成人的模式和规范，那么每个儿童都能成为艺术创造的能手”。在教学形式上我是这样做的。

（一）游戏引入，激发兴趣。

皮亚杰认为：“兴趣是能量的调节者，它的加入便发动了储存在内心的力量。”当学生刚进入课堂，教师进行教学时，由于学生对水墨画十分地生疏。若以传统的模式进行教学，机械地临摹老师的范画，学生易产生厌烦，从而讨论画画，使他们失去一次良好的学习机会。我是这样进行教学的，先让学生听一则有趣的故事，即：“吴大帝孙权，让曹不兴画屏风，曹误落笔为素，因就作蝇，既进，权以生蝇，举手弹之。”来调动兴趣，然后在纸上示范点上一点墨，让学生想可以画些什么？（如蝌蚪、甲虫等）再进行合理的示范，随即让学生来尝试。这样学生的兴趣调动起来了，学生也乐意用水墨画的形式来进行绘画，从学生的作业中可看到学生丰富的想象力，也让学生体会到水墨画的优越所在。

（二）用“玩”来训练绘画的技法

玩是每一个儿童的天性，他们生性好动，敢于去画，教师应抓住他们这一特点，巧妙地进行利用，使他们在玩的过程中掌握技能。如：画“瓶花”利用破墨的方式进行教学，先用浓墨（或色）画各种不同的线描的画，然后用淡墨或水（色），点在画的中间，利用水的张力，以及宣纸的特征，使画产生了漂亮的肌理效果，由于水份的多少或时间的长短产生了不同的艺术效果。学生对这种效果，表现得非常兴奋，而且胆子也大，在这个玩的过程中，让学生感受水份的多少对画面产生的效果的作用。再如，利用写字的游戏让学生在玩的过程中锻炼中，侧、逆、顿锋的应用以及色彩知识的掌握。即，让学生用平时写字的方法在宣纸上用墨写上字，可以把字拆开、叠加、拼合等方法进行书写，写时也可用各种运笔方法，然后在不同的空间填上颜色。通过训练学生对各种用笔、色彩间的关系、疏密关系等知识有了一定的了解。这样，学生的主动性很强，每个学生都有自己发挥的余地。这也是我们中、小学生校的美术教育的要求，不是惯常的“抓两头，带中间”的所谓“正态分布”式的教育，而是让每个受教育的学生都能获得“最近发展区”的发展或“跳一跳，吃苹果”的润泽和成长的完善化教育。

（三）故事的导入，提高学生的知识

中国画发展的历史悠久，名人辈出，名人轶事也多，这对提高学生的知识面，领略国画艺术的优秀有着很大的作用，如：“吴带当风，曹衣出水”、“吴道了一日之间绘成嘉陵江300余里的壁画，而李思训几月足不出户”的故事、“黄家富贵、徐熙野逸”、“马一角，夏半边”、山人的“墨点无多泪点多、泪眼中的旧江山”、“哭之、笑之”、齐白石的“不倒翁”等故事，让学生感受中国画艺术的博大精深，以及各种不同的表现方法和笔墨的巧妙之处，拓宽学生的知识面。加深学生对画画的影响，让他们感受到学国画的乐趣。

（四）利用范例，提高学生的表现力。

地质学家李四光说：“观察是取得知识的重要步骤。”观察对低年级的学生来说尤为重要，他们往往看得少，对事物极其生疏，如在画“老虎头”这一课，老师对老虎的各个结构分析清楚，然后让学生感受分析不同情况下老虎的各种神态，再让学生进行创作，这时学生表现出来的老虎各不相同，发火的老虎用红色。也有用各咱颜色，如在画老虎头四周的毛时，有的学生用干笔来画，体现出了笔的质感，这说明他们是用自己的感受来进行创作。每个学生有着自己的理解，他们能够用笔墨来体现自己内心的感受，利用各种不同的范例的比较，让学生选择自己较满意的作品，从而传授些构图等知识，让学生较容易地接受绘画的基本知识。

（五）在内容选择上，力求多样化

传统的教学模式是让学生来临习梅、兰、竹、菊等花卉、山水、鱼虫等，一节课是临习为主，而学生自己主观意念受到限制，只能根据老师的要求做着机械的练习，严重损害了学生的身心健康。我在课堂教学上采用多元化的内容供学生选择，这样既体现了教学以学生为主，也为学生的自由发挥提供了广阔的天地，如画“脸谱”，我让学生先看几十种不同的京剧脸谱和其他不同形式的脸谱，然后让学生自由选择进行绘画，这样学生的积极性很高，创作出来的作品吼十分新颖。再如画“猴子”，先讲清猴子的结构，老师进行示范，强调用笔的方法，然后让学生进行模仿各种猴子的动作表演，再讲述有关猴子的有趣的事情，如母子情等，可观看录像让学生对猴子有更深的了解，再让学生进行创作，这样课堂气氛活跃，学生在一个愉快的环境中学习到了知识，也表现了自己的长处，使得每个学生都看到了自己的进步。

国画教学论文例2

二、对中学中国画临摹教学的再认识

人类的文化成果是经过漫长的历史积累而有所成就，任何一种创新发明都只能在吸收和借鉴前人文化成果的基础上进行。而中国画是数千年文化积淀的成果，是人们观察世界，表现客观世界和主观精神世界的语言符号，笔墨之间饱涵着对生活的理解和情感，正如艺术理论家克里斯(Emstkris)所指出的：“长期以来我们逐渐认识到，艺术不是产生于虚空，没有哪个艺术家与前辈和样式毫无关系……”

1.临摹是学习中国画的必由之路

临摹是中国画教学的一种重要手段，也是掌握中国画本体规律的重要学习方法。清代董启运说：“初学欲知笔墨，须临古人，古人笔墨，规矩方圆之至也。”中国画的特点是“意象”造型，它不要求模拟现实，以实际不存在的线为造型手段，以阴阳、虚实、轻重等处理对象空间关系，并在长期的实践过程中将这些具体方法归纳成程式。无论山水、花鸟、人物各画种都形成自己独特的审美思维、绘画模式和表现语汇。这些程式也就是中国画的特色，这是面对实景和人物模特写生的方法所不能代替的。要传承中国画的民族文化精神，就得要通过临摹这个途径，掌握传统的绘画语言和技巧及造型规律，领悟文化精神特质。

2.正确引导学生学习临摹

临摹是把学生引向艺术殿堂的必经之路，临贤习圣是启迪我们自身本原的智慧和光明，通过临摹又会将自身的潜能得以充分发挥。教师不能用固有的知识结构简单应对学生，更不能完全用自己的理解和认识代替学生具有丰富想象的思考。那么如何对学生的临摹学习作正确的引导?我觉得首先应从选择好的范本开始，宋人刘道淳在《圣朝画评》中说：“师学舍短”，也就是指临摹学习，必须有所选择，去短取长。二是采用临摹和鉴赏相结合，不能傻临，如唐志契所说“临摹最易，神气难传，师其意而不师其迹，乃真临摹也。”因为临摹不仅仅是解决技术问题的过程，也是整体上解决感受与理解传统绘画的过程，还是学习中国传统文化的过程。应把作品放到特定的历史时期和文化背景中去理解、体味，在临摹中，要学会比较，学会品味，学会分辨优劣雅俗，判断笔墨高下，领会笔墨与风格的关系，增强审美鉴赏能力，提高表达能力。三是临摹、观察、记忆和写生相结合，因为临摹不是目的，临摹主要是让学生获得一种把握和表现现实的方法，并形成创新的基础。

三、中学中国画临摹教学中应把握的几个问题

1.坚持“因材施教”和“因势利导”

我们的教学多是为了全体学生的发展，所以只有在了解不同学生的兴趣与爱好、基础和能力等具体情况的基础上，组织实施教学。同时也要引导学生了解自己，防止盲目的或单纯的教学。因势利导作为教学的指导原则，教师以自身的修养，对不同学生身上所表现出来的心理特点、智能结构和艺术修养等，能够全面性透视，并对不同学生的不同特点提出他们自身发展的潜力优势，充分发挥个性，培养出独特艺术创造力，而不是改变学生的个性特点。

2.充分利用“范画”在中国画教学中的作用

因为教师一系列的教学方法和手段都是为了向学生传授知识、技能、技巧，而教师“范画”是最直接、最具体、最直观的教学方法，因此，为了使学生更好的理解和接受，教师把作品进行分解、剖析和演示，在示范的过程中有重点地结合讲解，尤其中国画的墨色浓淡调配，用笔用墨的方法、色彩的配置予以详细的示范。学生经此直观感受之后才能加深体会，尔后引起学习兴趣与表现冲动，由此及彼，触类旁通。

3.形式技巧传授不能僵硬

形式技巧传授在中国画教学中虽然程式很强，但在向传统学习过程中，要从作品的精神上去领会和把握，不能用“硬性强化”的教学方法，而形式技巧的传授必须打破僵硬的概念模式，采用“自主、合作、探究”的学习方法，必须在激发学生兴趣基础上进行。

4.在临摹教学中树立学生的创新意识，促进学生全面发展

创新精神是社会成员最重要的心理品质之一。所以培养创新意识是教学的根本任务，在国画教学中，使学生懂得“古人之法是用，造化之象是体。”在造化之前，所以除了临摹学习古人之外，向自然和生活学习，通过这种学习培养学生的观察力、记忆能力和写生能力，在此基础上，结合学习心得，个人阅历，修养体悟进行个性化创造，也就是“外师造化，中得心源”，进入一个创造层面。

马蒂斯宣称“一幅新画应是一种惟独一次的事迹，一种新的诞生，对人的精神所把握的世界观增加了一种新的形式”。这说明了美术作品的价值在很大程度上是由独创性体现出来的。中学国画教学中不能象专业教学那样，有较充裕的实践循序渐进地从临摹到写生，但教师应在有限的课堂教学中，采取各种方法来培养学生创新意识。比如创设宽松的教学气氛；民主、亲密、平等与和谐的师生关系；教学内容利于产生联想和创造思维激起等。在对待不同形式和不同想法的学生作品时，教师不能以自己的观点、好恶轻易评价，正如美国当代哲学家莫里斯(C.Morris)所言：“如果人的潜力和人的差别得到尊重，自我创造的方法就必然是多种多样的。”艺术是个性的产物，是民族的产物，它的取向是求异，为此在教学中要尊重学生的多样性。

参考文献：

[1]赵保平.中国画教学设想.2007，6.

[2]转引自冈布里奇·艺术与幻觉.湖南人民出版社.

[3]清.董起云.画学钩玄.

国画教学论文例3

2.我国高校国画专业基础素描教学方法

2.1以线为主，突出国画艺术

素描讲究的是以线条来表现直观世界中的事物，这种线在实质上是不存在的，它只代表物体的边界，给人们展现一种视觉上的幻觉。在我国国画专业基础素描教学中，以线为主来表现国画的艺术感，在我国国画当中，名族风格比较重，反应了我国各地人民的慷慨激情[2]。在教学过程中，学生应当根据我国国画所反映的客观事实，利用线对物体结构进行塑造，从而表现出我国国画的艺术本质。例如在仇东的《论道》中，运用线条的开始，消失和中断来画出边界，并且形成平面，也可使色彩至边界而上。线条的粗细能表现物体的变化，甚至光和影也可用线条的笔触变化表现出来，色彩明暗凸出了主体与部分之间的关系，从而将我国国画的整体艺术感展现出来。

2.2采用多元化的教学方法

随着科学技术的发展，计算机多媒体技术被广泛的应用到当前高校教学当中，在我国国画专业基础素描教学中，利用现代多媒体技术，进行多样化的教学，利用大量的素描图片和资料进行素描教学，不断扩宽学生的视野[3]。同时，高校还应适当的鼓励学生走出画室，亲近自然，在自然环境中熏陶学生的思维创作能力。从而开阔学生的创作思路，从而创造出更优秀的作品。

2.3加大素描教学材料的运用

在当代素描所用的工具有铅笔、钢笔、炭笔，铅笔在用线造型中能够很好的塑造成物体结构，将物体的造型完美的展现出来，同时还能随时的修改，钢笔在素描中可以将所要表达的物体展现的纤细流利，收放自如[4]。而炭笔可以很好的表现出画质的色彩感，在我国国画专业基础素描教学中，加大这些材料的应用，可以有效的激发学生的创造能力以及创新能力，同一幅素描作品利用不同的画笔进行塑造可以表达出不同的艺术感，作为高校老师，首先自己应该多进行绘画材料的运用，从中找出有效的方法，从而进行素描教学的时候有效的提高教学效率。加大这些绘画材料的运用，不仅可以培养学生敏锐的观察力，提高学生的自我表达能力，同时还能将国画专业素描表现的更加深刻。

国画教学论文例4

美术创作是美术院校（系）学生毕业前进行的一门必修课，是对学生整体艺术素质的综合训练与提高。由于学生在对生活感受的深度、对艺术本质的认识以及艺术观念、创作经验等等方面存在着差异与不足，在美术创作中普遍存在着游离于生活、凭空臆造、表现技法模式化及主题思想苍白无力等弊病。水彩画作为美术创作教学的一个主要画种，多年的教学实践证明，必须要强调和重视三个方面的问题。

一、要注重生活感受

美，蕴藏在生活之中。古今中外一切优秀的艺术作品无不来源于生活，来源于艺术家对生活的深刻认识、积累和情感。古往今来，“搜尽奇峰打草稿”已成为画家从生活到创作的必由之路，也是画家走向成功的阶梯。丰富多彩的现实生活有着极其生动的内容，是艺术创作取之不尽、用之不竭的源泉。艺术家只有深入生活，通过创造性劳动，才能创作出渗透着浓厚感情的更鲜明、更集中地反映生活本质的艺术作品。这些作品又从精神上愉悦着人们，从情感上打动着人们，使人振奋并促进生活美的发展。

艺术作品反映出来的生活，是比普通的实际生活更高、更典型的生活。Www.lw881.com画家走出画室，到生活中去，到大自然中去，当某一事件或事物深深地打动了他，就会激起他情感上的波澜，使他产生强烈的创作冲动。于是，面对众多美的素材，要独立作出判断，分析选择，去粗取精。经过概括、提炼和加工的过程后，才能达到艺术家创作的最高境界——感悟。也只有这样，创作出的艺术作品才可能是激动人心并区别于他人，才有可能产生精品力作，具有艺术的生命力。正像黑格尔所说：“艺术家不仅要在世界里看得很多，熟悉外在的和内在的现象，而且还要把众多的、重大的东西摆在胸中玩味，深刻地被他们感动，得到过很多的经历，有丰富的生活，然后才有能力具体形象地把生活中真正深刻的东西表现出来。”这段话，体现出黑格尔对艺术的深刻观察，也说明艺术创作是人类高级的、复杂的和特殊的精神活动。王式廓的素描《血衣》、罗中立的油画《父亲》等大批激动人心的不朽之作，无一不是作者对生活的深刻认识、积累、提炼和加工的结果，这也足以说明生活是孕育艺术之果的母体。只有在面对自然，以生活为根基，以自我感受为灵魂，用心灵深处涌动着的激情而获得的活生生的、有血有肉的第一手资料，才能为作者的创作奠定良好的基础。美国当代著名水彩艺术大师安德鲁·怀斯，他的水彩艺术中洋溢着使人迷醉的诗情画意。他的画作之所以强烈地震撼着人们的灵魂，是与作者挖掘生活的深度，以及转化为画面上的艺术激情和独特的艺术感受有着深刻的关系。对丰富多彩的生活无动于衷，在创作时闭门造车、凭空捏造、无病呻吟或仅仅依赖照片、画报和资料等，依照葫芦画瓢，这种死抠硬磨的“照相式”工匠的方法，不仅会使作者对生活的敏感度退化，创作精神变得懒散，甚至会使艺术生命走向枯竭，也就根本谈不上使作品产生艺术感染力了。因此，在创作教学中，只有使学生牢固树立正确的创作观，积极引导学生热爱生活，深入生活，正确地感受、体验和认识生活，不断挖掘蕴藏在生活中的美，把对生活的真情实感全部融入作品之中，力戒创作中的主观臆造，才能使水彩创作教学包括其他美术创作教学步入良性发展的道路。

二、广泛借鉴与融合

水彩艺术的创作，只仅仅局限于一般传统技法的表现是远远不够的，还有赖于对东西方艺术传统和其他绘画艺术精髓的继承、吸收、借鉴与融合。传统是代代相传的文化要素，是一个民族历史沿袭下来的思想行为方式和艺术形态，是一个文化上的共同心理习惯。传统有其精华，也有可怕的习惯势力。我们要取其精华，为水彩艺术所用。中国水彩艺术百年发展的历史，也正是一部在继承、借鉴、融合中西文化和其他绘画艺术精华的基础上不断创新、不断前进的历史。西方当代水彩画艺术从表现的内容到表现手段早已步入到了一个多向、全面发展的阶段，在创作中，要善于学习、吸收和融合西方水彩艺术的精华，按照创作的主题和要求去进行选择、改造和发展，这样才不至于盲目沿袭和师承。

生活在具有几千年中国传统文化熏陶的环境里，我们的血液里自然流淌着民族传统的东西。我们要从“外师造化，中得心源”中去学习客观与主观相结合的创作观；从“形神论”中去理解外部现象和内在精神的关系；从“气韵生动”里去了解表现的最高要求；从“迁想妙得”去认识想象与移情的作用，等等。还要善于从中国历代的造型艺术中，去吸取形象的风格和艺术的趣味。从古代青铜器或者盛唐仕女画里去吸收浑厚、凝重与丰满的风格；从明式家具或者宋徽宗的书法里去吸收俊秀、挺拔与精炼的风格；从汉代画像石里去吸收奔放、强劲与古朴的风格；从梁楷的人物画或者怀素的草书里去吸收洒脱与飘逸的风格等等。这些不同风格的学习与吸取，会不断地丰富、完善和提高水彩画的艺术语言与表现力。同时，在水彩画的创作中，还应借鉴和吸收油画、中国画、版画及民间艺术的创作方法、艺术语言与表现技巧。既不应固守水彩艺术原有的模式，也不必不加选择地效仿其他画种的艺术语言。理想的境界应该是融入中国画、油画、版画、民间艺术以及其他艺术形式的文化因素、审美精神与情趣，而仍保持着水彩艺术独特的语言个性。学习、借鉴一切有益的艺术表现形式与艺术语言的目的，是为了进一步丰富和增强水彩画的艺术表现力与感染力，逐步形成个人独特的艺术风格。因此，水彩(转第99页）(接第102页）画创作中，对中外优秀绘画艺术传统及其他艺术形式的继承、吸收、借鉴和融合，不应是简单的模仿和拼接，而应当通过嫁接、消化与重构，获得新的生命，结出更加丰硕的果实。在创作教学中，教师正确与灵活多样的启发、引导与鼓励，将对学生开拓思维，广泛借鉴融合，大胆探索创新，不断完善和丰富水彩作品的个性艺术语言起到重要的作用。

三、关注作品内涵

国画教学论文例5

国画具有悠久的历史，民族特色明显，受到广大国内外人士的追捧。它是我国美术形式的典型代表，具有浓郁的东方情调，蕴含着深厚的文化底蕴。在对外汉语教学中教授国画意义重大。

一、 对外汉语教学中国画课的意义

（一）彰显中国传统文人的人品

孔子曰：“志于道，据于德，依于仁，游于艺。”北宋郭若虚称：“高雅之情，一寄于画。人品既已高矣，气韵不得不高;气韵既已高矣，生动不得不至。所谓神之又神而能精矣。”陈师曾总结说：“文人画之要素，第一人品，第二学问，第三才情，第四思想，具此四者，乃能空善”。由此可见，古代文人墨客的人格修养体现在作品中。国画蕴含着画品和人品的内在联系，字如其人，画如其人，画以人贵等类似的论述在古代画论中很多。人的品格修养决定作品气韵的高低。古代文人的人品包含儒家的仁义道德，道家的逍遥自在，还突出了清高雅致的思想情调和独立的人格精神。

（二）增强外国学生对中国文化的了解，进而培养学生的艺术素质

程大利指出：“中国书画艺术承载中国传统的文化和哲学思考，要了解中国书画艺术必须先了解中国五千年的历史”。学习国画，首先需要学会使用国画的绘画工具“文房四宝”即笔墨纸砚，它们是中国独具特色的书写工具，非常具有魅力。文房四宝不仅具有使用价值，同时也是融合绘画、书法、雕刻、装饰等各种艺术为一体的艺术品，它淋漓尽致地表现了中国书画艺术的神韵，蕴含着博大精深的传统文化。

（三）锻炼学生的灵活性和动手能力，磨练学生的意志，培养自信心

学习国画要求学生使用毛笔，并能够熟练运用指、腕、肘和手臂的力量。创作国画需要有耐心，在绘画过程中要做到气韵连贯。初次教授国画时，对外汉语教师往往会从最简单的国画开始教学，例如大写意的花鸟，先求形似，激发学生的兴趣，再慢慢地要求神似，避免外国学生在学习国画中产生浮躁情绪，而且可以修生养性，陶冶情操，增强他们的自信心，同时也间接地激发他们学习汉语的兴趣。

（四）培养学生的审美情趣和鉴赏能力

在对外汉语教学中通过欣赏名画中蕴含的意境，解读作品背后的故事，和“气韵生动”的国画理论知识相结合。外国学生通过欣赏、分析，能够慢慢增强他们的鉴赏能力。中国古代文人擅长通过借物抒情的手法表达内心的志向，因此梅、兰、竹、菊便成为古代君子的化身。梅，傲雪不傲骨;兰，清雅幽香;竹，虚心不虚情;菊，冷艳清贞。例如通过欣赏郑板桥的《墨竹》能够分析出他笔下的竹刚劲孤直，具有一种孤傲、刚正不阿的傲世精神。

二、 对外汉语教学中国画课的教学方法

对外汉语教师在教学过程中应该积极营造富有艺术感染力的课堂氛围，采用各种教学手段，鼓励他们进行自我创作，激发学习国画的兴趣，深入感受中华文化的魅力。根据教学经验，笔者总结如下：

（一）实践与理论相结合的教学方法

在教学过程中，对外汉语教师要做到将绘画的实践活动和理论知识相结合，增强以学生为中心的教学意识，注重培养学生的动手能力。同时加强学生的模仿练习，从而达到理论与实践的贯通，增强学生对理论知识的学习兴趣，使学生更好地将实践和理论相结合。

（二）开展主题活动课

教师设定一个主题，以展板，展室，画廊的形式展示学生作品，为学生提供展示作品的舞台。从而激发学习国画热情 ，调动学生的兴趣。

三、对外汉语教学中国画课应该注意的问题

（一）、首先教授国画的对外汉语教师水平良莠不齐，缺乏专业化的国画教育人才，总体艺术教育水平偏低，影响到外国人对国画的理解和欣赏;国外的国画教学资源缺乏，比如由于受到国画创作需要的特殊工具“文房四宝”的制约，国画教学难以大面积传播，因此国外对国画的重视成度低。

（二）、其次中国画的传播缺乏创新精神，一味地教授陈旧的山水花鸟题材，容易使外国学生产生误解，不能与海外的绘画元素相结合，把它作为一种普适性艺术来学习运用。除此之外，国画虽然具有无穷的的魅力，但是学习国画必须坚持创作，必须保持外国学生对国画的热情，“激发兴趣的关键在于富有成就感”。因此作为对外汉语教师应该积极传播国画的文化内涵，展现国画的魅力，提高国外学生的关注度，并不断激发他们学习国画的热情，增强学习中华文化的兴趣。（作者单位：内蒙古师范大学文学院）

参考文献：

国画教学论文例6

中国画是个博大精深的体系，已经经历了数千年的发展演变。在漫长的历史中，中国画不仅保持而且发展了自己独特的美学思想，造型特点和各种笔墨技法。任何完美而精湛的思想和技法的形成，都不可能由某一个人完成，虽然他可以是个集大成者。但却是集历代前辈创新思想和技法之大成。因此，中国画美学思想、造型理论和技法所取得的如此辉煌的成就，是历代智慧继承和发展的结果，而这一代代的延续，只能由教育来联接，即传统美术教育的师徒传承教育。

近年来，国学热的兴起虽然给中国画带来了些许光明，但是中国画教育的发展，受历史的局限与工业化社会的激化，越来越偏离中国艺术精神的本体，无论教育观念还是教学形式都表现出与中国画优秀传统的异化趋势。要么是用毛笔解决素描问题的西画式教育，已经失去了中国画的精髓；要么是临摹、临摹、再临摹的“依葫芦画瓢”，这样的复制古画，没有时代特征，中国画很难得到发展；要么是彻底抛弃中国画的工具材料与美学思想，这样的创新完全没有了中国画特有的艺术语言，超出了中国画学科的范畴，显然已经不是中国画了。过分强调创新与矫枉过正的中西合璧的背后，是中国画审美标准、批评传统与法则、笔墨气韵以及赖以生存的经典元素（笔墨、线条等）等的缺失，并且催生了艺术创作的浮躁心态。在这样的大环境下，对传统艺术的忽视和教学方向的错误，导致中国画研究的学术性和教学质量普遍降低，造成中国画教育发展的困境。

中国画是一种从表现手法到审美理念体现着中国人生存状态、审美追求、思维意趣、原生品性，蕴育着中国艺术精神的艺术样式，其形态即指包括作画材料、器具、样式、风格在内的，有着体现中国技术运用、组织结构，以及依存着的思维框架的整体形态。当代高校中国画教学范畴当然应该针对广义的中国画。广义的中国画，包括晋、唐、宋、元、明、清，所有能体现中国艺术精神的所有绘画。其中，不但包括水墨的、写意，还包括色彩的、工笔的。继承传统艺术精神也不应该以画家的身份做选择，所以广义的中国画，也应该包括壁画、中国民间绘画等。今天中国美术教育的价值取向就在于传承优秀的中国传统艺术精神，当代高校中国画教育的目标，就在于通过对经典绘画的教学，使中国传统艺术精神得以更加广泛的继承、传播和发扬。

二、当代中国画教育的现状

现如今中国画教学的现状是大部分学生在学习期间临摹作业水平还可以，但自身创作，对临摹学习的知识灵活运用却很不足。学生学习上很“机械”，虽然了解了一定的“线基础”，但是却不会进一步运用从而造成学业上很难提高，时间一长会觉的上课内容很“古板”“枯燥”，无法深入。从而很快转移学习兴趣，这样不利于教学的发展，对中国传统绘画的发展也是很不利的。再加上由于商品经济对社会的冲击，现代的学生不可能穷经皓首安心于纯粹的书画研究之中，生存的压力使得一部分学生往往将学习美术仅作为谋生的起点（文凭），而不在于艺术的追求，在此背景下传统中国画逐渐丧失了其传统的文化语境和精神内涵，使绘画商业化和庸俗化。绘画工具和绘画心态的改变给中国传统绘画教学及其创新带来了挑战，传统文化语境的缺失使中国传统文化步入了濒临灭绝、走向消亡的危险境地。

对于中国画教育来说，其课程体系注重“营养均衡”，要求学生要修很多科目的课程，多个科目的必修占用了主干科目的学习时间和经历，尤其是高等师范院校的中国画学生都有“万精油”的通病。由于高考加试科目的限制，导致学生进入高等院校后，绘画专业或涉及绘画的专业（如美术学）的课程设置也必然包含素描、色彩、速写这些课程，这就导致学生在进入高校前后都要把主要精力放在学习素描和色彩上，再加上传统中国画艺术文化课程教学较少，导致学生整体文化素质偏低，缺乏修养。美术专业理论课程的学习一直以来都是以美术史，美术概论、艺术概论以及艺术美学等作为主修课程，但文化课程例如中国历史、哲学、古代文学、书法、篆刻以及传统中国画论的教学与研究则是非常薄弱，中国教学与科研滞后于创作，反过来又限制创作水平的提高，高校毕业以后踏入社会的美术教育岗位的美术教师，由于受自身理论修养的限制，在从事艺术评论与鉴赏时很难再得到深入和提高，进而影响下一代的知识体系。正是这种普遍在理论上的“贫血”，才形成艺术教育质量下降的恶性循环，导致学生一代不如一代。

三、当代中国画教育的发展趋势

一位美国画家曾对刘汝醴先生说：“对于中国画的发展，必然根植在中国艺术传统的基础上，脱离传统的发展，我看只能是瞎发展。”潘天寿先生早在1963年就告诫：“创新离不开中国画的传统和特点。中国画讲究传统笔墨技法，讲气韵和线的应用。只强调创新，不重视传统是片面的，只讲传统，而忽视创新，是守旧复古，也是片面的。创新应在学习传统的基础上进行，充分发挥中国画的特点，保持中国民族特色不是要我们走古人走过的老路而一成不变。陈陈相因，甘为古人的奴隶，绘画就永远没有进步。”潘先生一席话，实际说出了，中国画在求发展过程中要牢牢把握的道理。

中国传统绘画的优秀传统是要传承下来的，中西文化的冲突已经成为民族文化发展的主要动力，西方思想主导艺术发展方向的话语权，西方艺术潮流也己经成为中国新文化艺术的主要营养。作为中国传统文化重要载体之一的中国画，从哲学、民族、文化、心理等多方面与西方文化及其教学方法、手段都有冲击、碰撞。面对历史的变迁，中国传统艺术精神在继承中出现断裂，我们只有把中国画的教育放到整个中华文化的大背景下进行，才能保持它的民族性与经典性。在开放的中国文化市场环境下，要正确认识中国优秀的传统文化，并处理好中国传统文化和西方文化之间的关系。在中西文化大交流的历史背景之下我们必须要重新归置中国文化结构，复兴民族文化大业，建设出具有中国特色的中国画教学体制。这就要求中国画的教学应该在中国传统的哲学观、美学观、方法论的理论指导之下，结合现代美术教学、绘画实践以及其他一切文化成果来进行。这就要首先肯定本民族的优秀文化传统，要对传统进行深入的研究，对传统的研究不能只停留在表面，对中国从古至今的画论和画评也要认真研究、读透。中国画是开放性的，要有吐故纳新、包容接纳外来文化的胸襟，对于外来文化要做到“取其精华，弃其糟粕”，吸收西画中的精华成分以后要能转化为自己的营养，这样才能真正建立起具有中国特色的中国画教学体制而不会沦为其他文化的附庸。

参考文献：

国画教学论文例7

中国画是中国文化最具代表性的具体文化样式之一。山水画作为中国画中代表性的绘画形式,充分反映了中国传统文化的审美与智慧。山水画是高校美术学专业的必修课。通过学习中国山水画,我们能够了解古人对于自然的哲学态度,发现中国传统艺术的意境美,弘扬中国传统文化精神。然而现代中国美术教学最初以西方美术教学体系为模式,即使是传统中国画教学也受到这一影响,在统一的西方模式下自然不易发挥中国画教学的自身特色,导致教学重技而轻理,学生缺少中国画观念陶养,中国画的学习往往停留在对技巧的研究与操作之中。

在教学研究中,我们认识到要将山水画教学目标放在传统文化审美的高度,不能只局限于课程内容本身。高瞻远瞩的认识定位,才能使实际教学不成为简单的认知和技巧练习,应将中国画教学的核心,定位在建立起中国画的审美之中。

目前的教学也多关注教实际效果,重技艺的教学模式使一些教师认为绘画教学就是学生长时间的练习,多画就可达到手法熟练的成效与结果。从教育的规律看,这忽视了知识的掌握需要一个消化与理解的过程。教学的实际也只是短暂的显示成绩,由于认识上的缺乏,成绩很难稳固。绘画艺术本身是一个终生探索的过程,是绘画思想引导了技巧。

树立正确的中国山水画传统审美观是山水画教学的关键,“授人以鱼,不如授人以渔”。提高认识就是引导学生建立正确的学习方法。在西式的教学体系下学生的绘画基础是以素描、色彩为主的绘画造型训练,这种的造型观念渗透在中国画教学中,初习中国画的学生会习惯性地拿西画中的“体块、透视”等标准来解读中国画,这种语境上的差异必然使学生难以真正理解中国画,造成对中国画判断上的原则性错误。要改变这一现状,必须从建立中国画的审美观念入手。当然,山水画教学课时有限,教学应从美术课程教学的全局出发,协调相关理论课程,在教学目标与课程设置中为培养学生中国绘画美学观服务,需要多门相关课程在教学内容与教学活动中的互补协调。

2005年教育部出台《全国普通高等学校美术学本科专业课程设置指导方案》,强调“坚持以人为本的理念,克服重技能、轻人文的弊端,突出课程设置的综合性”等原则。方案中不仅保留了原有的中国画实践教学,而且设置了中国画论课程。在这一方案的指导下我们将中国画的理论与实践教学看做一个整体,通过中国画论教学与中国画实践教学相结合,以提高学生对中国画知识与技能的全面掌握。中国画论教学的参与可以帮助学生从理论的高度来指导中国画的实践活动,从认识上转变观念,完善中国画教学的内容。

以往的中国画教学都是以实践为主,即使是实践课前的理论讲授,也只是对中国画的发展、种类、技法知识、文房四宝等泛泛的讲解,大多数时间是在画。如何在实践教学阶段也以建立中国画审美观念为核心,对此我们作了有益的探索。中国画的学习经过先临摹后写生再创作的过程,目前的山水画教学主要是临摹与写生两个实践阶段,两个环节相辅相承,递进发展,教学内容有差异,但它们又是一个教学的整体。

一、山水画临摹与中国画论

临摹是中国画的教学手段,不仅可以掌握山水画的基本技法,而且是建立中国画审美观念的途径。在中国画的学习中多半的时间都在研究学习前人的艺术成就,没有临摹就谈不上发展,临摹阶段应该打下一个好的基础,中国画论在这一阶段教学中应是重点,一个好的基础是绘画学习成功的一半。

山水画临摹是学习前人的技法经验。临摹从中国山水画基础的画法入手,中国画论教学可针对临摹对传统学习的特点,以中国绘画美学思想为主线,分专题将“传神”“气韵”“意境”等美学观念对学生以分析、讲解,选讲《画山水序》、《林泉高致》等山水画论,结合作品分析理解提高学生的认识。

在实践教学环节中,专业教师也应引导学生解读作品,“读画”是对绘画作品的一个深入研究过程。临摹前应对所临范本有一个深入的认识与理解,这样才能“传移摹写”,临摹之前的读画应该结合中国画论的教学从绘画美学思想入手,分析作者的风格流派、审美理想,以及画面中树木、山石的用笔、用墨方法、构图章法,等等。教师除对画面的内容进行研究讲解外,也可引导学生了解绘画作者的更多背景资料。这些综合起来都会提升学生临摹时对作品的深度理解。

临摹学习中,教师可以打破原有的从临摹作品的相像与否的单方面考核,而从审美、技巧(笔墨)几个方面去考查学生的学习效果:基本的树石关系,树石是山水画的基础,掌握树木与山石的画法要求通过笔墨语言来传达。笔墨是中国画的基本构成,又是山水画表现最重要的语言,学生是否掌握了中国画笔墨的丰富性,是否很好地传达了原画的气韵与格调。

专业教师的言传身教在绘画教学中是必需的,再好的印刷品也不及教师在课堂上的点通作用。初学阶段学生的山水画审美体系尚待建立,对临摹作品的选择还缺少判断能力,这时教师的引导很关键。在临本的选择上要注意范本对于初学者的适应性,教师应在每一个学生的临摹之前对临本加以挑选,在临本的选择上要符合以下几个方面:经典性,传统山水画代表作品;笔墨技法明确易学;通过临摹学生能充分得到技法训练;构图饱满典型,使学生感觉到构图的复杂性和变化。

二、山水画写生与中国画论

临摹能使学生体味到中国山水画的美学特征与艺术精神,认识到山水画理,掌握山水画的表现方法。山水画教学的第二阶段是山水画写生教学,写生就是体悟自然,发现山川的美。写生是了解自然山水的直接手段,在临摹教学中建立起的中国画审美观为中国画写生观念奠定了基础,这阶段的理论教学重在使学生理解传统山水写生观念的“悟”。从自然山川所带给人的感受与联想出发,强调“烟云供养、澄怀观道”。在观察中注意朝、夕、风、雨不同气候下的自然的变化,尊重自身感受。结合传统画论对山川感受认识的内容去启发学生,“春山淡冶而如笑,夏山苍翠而欲滴,秋山明净而如妆,冬山惨淡而如睡”(郭熙,《林泉高致》)。

如何观察是写生教学的基础。这一问题也就是画论中提到的关于对景时“师目”与“师心”的话题。“师目”即画眼中所见,“师心”即抒发心中所感,中国画处理主客关系时强调“外师造化、中得心源”,传统画家观察山川写生时常用“目识心记”,这些在传统绘画美学观念建立起后并不难理解。“可望、可游、可居”的理想追求使山水成为文人情感所寄托的理想居所,带有“游历”性质的观察方法自然在传统山水中表现突出。如何去观察山川,定点式的观察往往与西画的观察方法相似。而游观却是中国山水画家独到的方式,在教学之中要结合现实,将游观与定点观察相结合,即先体悟山川、“悟对通神”,在进行写生时再坐下来仔细描绘,合理地安排好“师目”与“师心”的关系是山水画写生教学的重点。

教学中山水画写生的方法是直接的对景落墨,这需要学生具备驾驭笔墨的能力,这关联到临摹阶段学生的学习效果。“山水写生的前提是在对传统笔墨有了一定认识基础上,才能获得最佳的写生效果。在写生时,最主要的是如何在准确地表达自己主观感受的同时,也能准确地画出生活气息来”。[1]将所学的笔墨优势如何消化融汇到山水写生当中,在绘画美学观念的指导下,中国画的写生的关键在造型基础上对笔墨的发挥,以笔墨传达情感。

中国画论教学与国画实践教学相结合,是为了从单一的技法实践向以理论为指导,全面掌握中国画的知识与技能的综合素质迈进,教学改革是新世纪人才培养的需要,它丰富了课程的人文内涵,有利于促进学生的全面发展,能够更合理地配置资源,构建起具有综合特点的课程。

国画教学论文例8

    中国画是中国传统文化的重要组成部分,它独特的艺术形式和画学思想吸引着历代无数的文人墨客沉迷其中,山水画作为中国画体系里发展的最完善的一门画科,历来备受古往今来的文人雅士所钟爱,并且在历代先贤们的精心研究下,形成了自己独特的审美体系与个性语言,取得了辉煌的成就。对我们后来学者来说,山水画取得的成就即吸引着我们去学习又给我们在以后的创新上带来了不小的难度。

    对于这个问题的研究,有以下两点重要意义:意识对当前的学院的山水画专业教育提供一些宝贵的经验和可以借鉴的学习方法;二是通过研究,找寻其自身发展规律,为我们今后的创新之路探索一个可行的方向。

    一、传统山水画教学的历史形态

    中国山水画已经有上千年的历史,翻开中国山水画历史的册页,我们可以清晰的看到山水画发展的一条主线:魏晋时期的山水画只是处在一种萌芽的状态,当时的人物画是中国画的主体。在南北朝时期,由于战乱四起,一些士大夫及文人墨客纷纷“循迹山林,全其岁月,每于闲散之余,以绘画写烟霞泉石,美人芳草之思,以为消遣。”这段时期恰恰促进了山水画的发展,山水画与此时期完全独立出来。及至隋唐时代,尤其是盛唐时期,中国绘画全面发展,山水画发展迅速,基本形成了自己的独特语言。历史进入五代十国时期,虽然这个时期很短暂,但对于绘画来说有一个重要的转变,即在后蜀、南唐时期,统治者均喜爱文学艺术,并开设翰林画院,召集天下绘画名士。这是皇宫画院的最早雏形。

    二、现代中国画的教学

    中国山水画是中国画艺术语言中重要的组成部分,山水式出现,而是使以学生画的表现很注重情感体现和对自然景物的艺术表达。在高等美术院校的教学中,山水画占有很重要的地位,这不仅仅体现在教师理论上的讲授,同时更加强调学生的感受和表现,最终提高学生的综合能力,从而达到教育教学的目的。

    目前,在师范类高等院校的教学中,山水画教学开设的课程有山水画临摹、写生、创作等,根据各个学校的实际情况和人才培养目标及教学任务,临摹、写生、创作三者之间在教学中所担任的角色也是不相同的。山水画临摹主要是培养学生对作品整体风格和表现技法的了解与掌握,山水画写生是侧重于学生对客观景物审美取向的培养和表达,而山水画创作侧重于学生的个性培养。无论是在教学中,还是从绘画的规律上来看,山水画临摹、写生、创作这三者之间既有着必然的联系,又有着内在的差别,它们之间是相互影响、相互制约。这就构成了中国山水画艺术的形象语言,这种语言是在教学中来逐步实施和完善的。

    (一)中国山水画基础理论教学对学生审美能力的培养

    在高校教育教学中,美术理论是艺术活动中必不可少的教学环节,这对艺术的实践起着非常重要的指导作用。每一个学生都是一个个体,他们所反映出来的审美意识差别很大,同时,我们还应该看到,学生的这种审美情感又在不同程度上受到环境和年龄的限制。所以,课堂教学就显得尤为重要。通过课堂教学这样一个过程来营造一个良好的环境,使学生在这个良好的氛围中受到感染和熏陶,从而,来获取更多的理论知识。学生审美意识的培养,是受环境的限制和影响的。我们抛开课堂教学,还有家庭环境、社会环境以及自然环境等,学校教育教学环境的作用是至关重要的,教师要充分利用课堂教学来调动学生的积极性和主观能动性,使学生参与到教学中来,使课堂教学不再是以传统的方式出现,而是使以学生为主体的教学模式得以显现。中国画基础理论的教学,也正是为达到学生积极参与为目的,教师创设情景教学,来提高学生的思维和审美能力,为他们创设良好的情境对学生审美意识的形成和发展会产生重要的影响。

    (二)中国山水画基础理论教学对学生表现意识的培养

    在中国山水画的创作中,情感的体现作为基础理论教学始终起着重要的作用。“情感是人对客观现实的一种特殊反映形式,是人对于客观事物是否符合自己的需要和目的所做出的一种心理反应形式。这种反映和反应,其形式都是主观的”。中国画的表现来源于感性的认识和理性的分析,在山水画基础理论教学中培养学生对大自然的客观认识和主观情感表达是至关重要的。对于中国山水画的表达方式,不是单纯来再现自然景物,客观的景物是需要艺术的概括和艺术的取舍,我们要对自然物象进行主观的艺术表现,这里就带有自我的情感和独特的艺术表现方法。如果单纯地来再现景物,我们就没有绘画艺术可言。艺术来源于生活又高于生活,我们要尊重客观规律,但是我们不能照搬不变。如果我们只是单纯地来描绘自然景物,那么就无从谈起情感的体现和表达了,我们的感受也会因此而受到限制和束缚。对于中国山水画的感受,主要是源于我们的观察理解、生活经验和真实感受。山水画写生的目的,并不是要求每一个学生所完成的画面都一样,而是在山水画客观规律表现的基础上,充分表现自我的感受。因而,在山水画教学中,强化学生对情感和感性的培养,并且通过山水画的训练,激发学生对自然的情感表达。

    (三)中国山水画基础理论教学对学生创作能力的培养

    “美术创作构思是一种审美认识活动,一切认识活动都要从实践开始,都要从感觉开始”。中国山水画的艺术实践是美术创作的重要环节,通过对自然的观察、理解和感受,使我们体会到大自然的美。在艺术实践过程中,不断去发掘生活中的真实美感,从而来表现景物的相貌特征。中国山水画的基础训练,不能只局限于课堂上的简单教学和临摹,更应该引导学生在大自然中,去观察事物规律及其相互关系,从而提高学生对真山真水的真实感受。在大自然中进行写生,为学生的创作提供了良好的平台,因为,写生是学生对自然的进一步认识,也是为创作收集素材的重要环节,这样既能提高学生对自然的感知、概括和创造能力,又能加强他们对笔墨的认识。在写生的过程中运用不同的表现方式,从而锻炼学生运用不同风格的艺术语言,把学生从单纯的课堂学习中引导出来,提高和激发他们对大自然学习的主动性和积极性。

    在艺术表现过程中要强化学习的目的性,引导学生掌握艺术创作语言,以及笔墨的运用和表现规律,并让学生积极地去尝试运用不同的艺术表现风格,这样能更好地培养学生的审美能力和艺术创造能力,提高他们的艺术综合素质。

    三、中国画教学与绘画的弊端

    中国画发展至今,通过各民族的交融和各流派画家的努力和发扬,逐渐形成一门系统的艺术。而当代的中国画面临着与古代社会迥然不同的社会文化语境,教育方式也由古代“师傅带徒弟”式转变为学院式系统的教学方法。一方面前人给我们留下了宝贵的绘画经验,另一方面,中国画的绘画技法和思想内涵由于西方文化和绘画的影响自身也在寻求着体格转变。其弊端突出表现为以下几个方面:

    1.重专业技能忽视理论研究

    2.学生重临摹轻实践

    3.脱离中国传统文化底蕴

    四、如何正确的教育引导学生的绘画方向

    在中国画向左还是向右的十字路口,中国国画家每前进一步都是小心翼翼的,而国画教育面临的种种问题与中国国画目前的生存状态有着密切的联系。如何在中西艺术交融期引导中国画教育走向良性发展之路,笔者以为有以下几点:

    1.加强学生对中国古典文化的学习,提高学生的人文修养

    当代社会,功利主义无时不刻在侵蚀着艺术市场,学生很容易受到物欲的诱惑而扼杀自己的艺术生命。反观近几年来学生的创作,格调不高也成为中国画教育失败的见证品。基于此,笔者认为,国画系学生对于中国传统文化的学习迫切紧要的。中国画在内容和艺术创作上,体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。只有了解中国古典文化,才能真正理解中国画的精神,从而深入中国画的哲学。从根源研习中国古典文化,提高自身的人文修养,才是深入了解中国画的不二法门。

    2.加强学生对中国画绘画理论的学习

国画教学论文例9

中国画是中华民族几千年来灿烂文化中的一朵奇葩，也是中华民族璀璨文明的重要载体，是我们民族传统文化的精髓之所在，也是我们中华民族的自豪。然而令人遗憾的是，中国画发展到了经济繁荣的今天，走向了衰落。尤其高校国画教育日趋走向了没落，究其原因很多，有其教育制度的缺陷，也有其社会经济发展因素和意识形态的因素。尤其是当今的艺术教育制度严重阻碍了中国画的发展，在中国的大地上进行着轰轰烈烈的西画教育，不知道谁之过？作为中华民族之孙，我们只有弘扬民族文化艺术，才能对继承和弘扬老祖宗留下来的文化之精髓和艺术之精神。

一、我国高校国画教育走向衰微的主要因素

当前，我国高校美术学专业的国画教学日益走向衰微，原因是多方面的。首先是高校艺术生源的国画基础缺失与文化素质较低，很多艺术生在高中阶段因为文化课成绩不好，无法实现本科梦，于是很多学生选择了考美术专业这个所谓的“捷径”，这些学生经过短期的美术基础培训，很容易拿到所谓的专业合格证书，毕竟现在大学扩招，专业录取分数线很低，文化课成绩要求更低，从而导致高校美术生源质量的严重下降。其次，我国艺术基础教育的薄弱决定了国画教育的衰微。中小学美术教育几乎走形式，要么就不开设，要么开设也只是摆设，没有真正的专业国画教师从事国画教学，学生压根没有任何国画基础，上了大学还不知道国画为何物，更不上笔墨功底和国画理论了。第三，我国美术高考内容缺失了国画教育内容，考的是西洋绘画内容，走向了西洋画教育的道路，在中国土地上培育西洋画的新苗。纵观我国近年来的美术高考内容，都是素描、水彩、水粉、速写之类的西洋绘画内容，无形之中把美术教育引向了西画教育，这种“扬西抑中”的做法无疑是高校中国画教育走向衰落最大罪魁祸首。第四，由于学生从小就缺乏笔墨书法功底，在高校就是想学国画都是那么艰难，因为笔墨技法不是一蹴而就的，在短短的两年之内想打好坚实的国画基础比较艰难，别说什么国画创作了。第五，高校课程设置的不合理，教学模式不但老化陈旧，而且采取西洋美术教学模式，重视西画基础教学，缺乏国画基础教学，教育导向已经严重偏离本土艺术教育，导致学生最终选择西画众多，选择国画专业的学生寥寥无几。以上几个主要原因就是导致我国高校国画教育走向衰微的主要因素，如果不改变上述这些现状，我国的国画教育将不堪设想。

二、 我国高校国画教育改革势在必行

由于我国艺术教育偏离了“主航道”，作为土生土长的本土国画艺术，是我们中华民族几千年来的文化结晶，也是我们中华民族为之骄傲的艺术成就，到了今天却成了末日黄花，得不到世人的重视，得不到教育部门的重视，相反把外国的艺术教育引入中国后却了成了“座上宾”，这种崇洋的做法实在有损中国人的自尊心。我们不反对吸收借鉴西洋绘画的技法，但不能因此把老祖宗留下来的文化精髓给抛弃了。虽然我们高校国画教育还在进行，但是它的没落不完全是时展造就的，而是一种人为的教育偏向导致的，是一种有意识的误导造成的。长此以往，我国几千年来的传统国画艺术将岌岌可危，没有这种忧患意识是很可怕的。所以有识之士要警醒起来，极力倡导我国的国画教育要从中小学抓起，在中小学普及中国画教育势在必行。只有打下坚实的国画基础，才能为高校输送大批合格的生源，也有利于高校培养顶尖的艺术人才。高校国画教学也要随之发生重大改变，不能再因循守旧，要打破常规，改革旧有的教学模式、教学内容和教学方法，极力改变陈旧的思想，把国画教育提高到应有的地位，把国画教学提升到一定的水平。

现在一些普通本科院校的国画教学力量很薄弱，由于师资力量的缺乏和教师专业水平存在的问题，也是导致国画教学质量下降的一个主要因素。一些著名高校由于教学条件远远优于普通本科院校，所以不存在师资不足和专业水平的问题，但是名校毕竟是少数，普及国画教育还是要依赖于普通高校艺术教育。作为承担国画教学主力军的普通高校，在引进国画人才方面比较困难，很多落后偏僻的少数民族地区的高校，由于很难招聘到艺术硕士、博士一类的人才，大部分艺术教师都是本科学历，由于学历不达标，无论教学水平还是知识修养、能力、教学经验都存在着一定的问题和差距，本科学生甚至瞧不起本科教师教学。由于国画教师缺乏和学生对于国画的偏见，导致国画教学力量非常薄弱。甚至有些美术学院的领导自身不画国画或者对国画的偏见也会导致学生重视西画，轻视国画。有的学院国画教师仅仅只会工笔绘画创作，对于写意画根本不敢接触，所以更不敢从事写意花鸟、山水、人物教学，这样就导致了写意国画的缺失，教学专业不完整，培养出来的学生也只能是“半成品”。针对以上种种情况，高校的国画教育的改革势在必行。

三、高校国画教育教学改革的措施

从以上我国高校国画艺术教学存在的问题来看，我们要加大教学改革力度，要改变过去那种的教育模式、教学方法。那么如何改革，笔者有以下几种建议，一供同仁参考和借鉴。首先，我们的国画教育要从孩子抓起，从最底层、最基础抓起，万丈高楼需要从根基一步步建起。中国画是我们中华民族的国粹，教育学生热爱祖国的文化和艺术，从小学起，从我学起，大凡热爱国画，有一定艺术天赋的中小学学生，学校不妨集中起来，开个兴趣学习班，作为高校艺术生的后备军。在中小学发现了绘画人才就可以采取因材施教的方法，让他们在国画学习上“吃得饱，吃得好”。很多学校开始了一些艺术特色班，这是非常好的方法，可以有效地把有艺术天赋的、热爱学习美术的学生集中起来进行集训，有利于艺术特长生的成长。非常遗憾的是，这些特色班的教学只是为高考训练学生的西画基础技能、技法，完全忽略了国画教学内容，主要原因还是高考教学制度的问题。

其次，改革我国现有的美术高考制度，这不是我们普通教师所能做到的，需要教育部进行改革旧有的高校制度，我们只能呼吁吧。在美术高考内容中加入国画的创作或临摹。有意识的强化国画学习，把国画和书法作为高考的一项主要考试内容，扭转过去那种西画一边倒的局面。在考试内容上，增加国画线描、国画写意花鸟、山水画的临摹或创作。把西画中的水彩和水粉课程可以若弱化下去。这样就大大有利于中小学国画教育。因为在高校里还要进行西洋绘画基础教学的，所以加重国画考试内容比例，可以大大激发学生学习国画的积极性和主动性，在意识形态上要有意识地导向中国画教育。

第三、 高校艺术教学模式的改革。很多高校在大一大二时完全都是西洋绘画基础教学，例如素描、水彩、水粉等课程的学习，等到了大二才开始分专业，专业分完了，学生真正学习专业的时间也不过区区一年多一点的时间，在这么短短的时间内学生又能学习到多少真正的专业技能和理论呢？最后都是学习点皮毛。学生感叹到4年大学自己的专业基础一点也不扎实。那么我们要改观这种教学模式，在大一时开设素描、水彩、水粉课程，为今后打下一定的造型能力和色彩感觉服务的。大二时就开始分专业，甚至在大一下半年就可以分专业。这样把学生最感兴趣的专业时间大大提高到2.5年——3年的学习时间，专业技能就能得到大大加强。尤其国画教学更是越早越好。大一时就应该加入一定量的国画学习，让学生学习国画线条白描，锻炼学生用线进行造型能力，还要求学生每天必须练习一定量的书法。那些真正爱好国画的学生不妨提前分离出来，成为独立的国画班，因为中国画不需要西方科学的透视法规，也不需要严格的光影效果和色彩。

第四、 高校国画教学内容的改革措施。国画教学内容包含着书法教学、绘画技法教学、构图学、创作教学、艺术理论教学等内容。但是在实际教学当中，很多内容被忽略了。如作为基本功的书法教学是国画教学中必不可少的一项。它是练习用笔用墨的基本功，也是练习线条造型能力的手段，书法本身就是一门艺术，它与国画完美结合形成中国画特有的“诗、书、画、印”艺术形式。然而很多院校不重视这项内容教学，这方面要得到加强。还有就是只重视绘画技法教学，不重视艺术理论教学，中国画最高境界是“气韵生动”，画面意境之美的创作来自于画家自身的文学修养和高深的艺术理论修养，然而现在很多艺术生，由于高中文化课就很差，导致他们不喜欢文化课，更害怕艺术理论课学习，由于文学修养和艺术理论修养严重缺失，导致学生创作不出有一定水准的国画作品。加大艺术理论教学内容的同时，还要要求学生课外多读一些中外文学名著，具有丰富的文学知识是一个艺术家必备的。

第五、 加强教师自身专业素质的培养和理论的培养。很多教师自己都不具备深厚的专业技能和理论修养，怎么能教好学生呢？很多教师国画技法单一，有的老师只会工笔，有的老师只会写意，有的老师只会花鸟，有的只会山水，这样由于自身专业的狭隘导致教学的严重局限，甚至个别学校国画专业教师都擅长工笔，写意画教学几乎没有，这样如何开展国画的全面教学呢？加强教师的专业技能，除了自己利用业余时间不断自我修炼之外，学院也要给教师提供进修的机会，把自己不足的专业给弥补上去。自己有一碗水，才能给学生半碗水。打铁还需自身硬的道理不用多说了。

小结：高校中国画教育教学存在的问题，已经严重阻碍了中国画的发展。几十年来的艺术教育已经扼杀了中国画的“特点”，作为高校艺术教育工作者，有责任呼吁中国艺术教育制度的改革，有义务进行高校国画教学的改革。应该建立以临摹为教学主要任务、以修炼笔墨功底作为主要教学手段、以艺术创作为宗旨的符合中国画传统的艺术教学体系，改变过去那种把西方艺术教育凌驾于中国画教育之上的做法，作为高校艺术工作者要为弘扬中华民族优秀传统文化和艺术精神做出应有的贡献。

参考文献

[1]当前高校中国画教学思考举隅[J] .范家美.湖北美术学院学报，2011.03

国画教学论文例10

Abstract：Chinese painting is not only a form of painting language， has a profound connotation of Chinese humanistic spirit and philosophy of culture. In the traditional Chinese painting teaching， learning to read classics of Taoism; studying painting theory; reading ancient poems; is an effective method to enhance the students' comprehensive cultural literacy and aesthetic cognition.

Keywords：Traditional Chinese painting teaching; skill;; culture; aesthetic consciousness; cultivate

一、文化素养在国画学习和创作中的重要性

中国画是我国最具民族特色的绘画艺术形式，无论是在绘画技法、绘画题材及绘画工具上都有着独特的东方韵味和民族特性，在本质、语言形式、审美个性、关照方式等方面与西画有着很大的区别，中国画不仅是绘画语言形式，更是具有深厚人文精神内涵和中国哲学观的文化形式，所以，中国画教学中除了绘画技法的学习以外，提高学生的文化素养和对文化的审美认识也相当重要。大画家吴冠中曾说过：“美术界大部分画家的文化水平都不高，他们的作品情怀和境界上不来，这是我的心里话。”这样的状况也存在于国画教学和创作中。在大部分高校国画教学中，教师往往偏重于绘画基础理论和绘画技能的培养，对于文化素养和审美认知、审美情趣的培养不太注重，这就造成部分学生学习国画的困难，学生理解不了国画的内涵，只是单纯从技法上学习，创作出来的作品过分强调技法语言和形式语言，作品刻板生涩、表面化，图式化，更深刻的审美内涵、思想层次表达欠缺，缺乏一种内在的，恒久的审美价值。所以，中国画教学除了培养学生的绘画表现能力，还要注重提高学生的综合的文化素养。

二、国画教学中提高学生文化素养的策略

（一）习读道家经典，感悟国画中“道”的玄妙

“中国画的哲学核心是道，画即是道，是中国画特有的本质，也是中国画形式美的内在依据。”（周积寅，2007）。“当法自然”、“心师造化”、“天人合一” 等富含哲学观念的理论也是中国画学习的指导理论。中国画的技法语言和形式语言是为描述这种有形的或无形的、内在的“道”的具象的体现。道家文化影响了中国绘画的体系与特点，并在其发展演变过程中起到了极为重要的作用。从中国画的本质是“道”，中国画的审美特征、审美理想、笔墨修养跟道家的观点是契合的。所以对中国画的学习过程也就是悟“道”的过程，那么熟读儒释道三家经典则能很好的帮助学生理解中国画范畴论中形神、气韵、意境、雅俗、比德、中和等概念。如在《中庸》中就有关于“中和之美”的论述：“中也者，天下之大本也;和也者，天下之达道也。致中和，天地位焉，万物育焉。”还有中国画审美境界中追求的“虚静”和“空灵”，即取自道家《庄子.人世间》的美学思想“唯道集虚……虚室生白，吉祥止止。”和《老子》的“致虚极，守静笃”。“道家美学通过对“虚静”的发现，一方面以此作为万物之鉴，在人心内部开辟出了一个审美的境界，另一方面又影响了中国画艺术积极利用虚白和空无构造有无相生的灵动的空间，因为虚白恰如虚空，看似无一物，却充满着宇宙灵气”（邹跃进和诸迪，2011）。绘画技法和语言形式的学习相对容易，而对“道”的学习和领悟却是一个复杂的思想转化过程，借助于对道家经典的解读，有助于学生深刻认识国画的本质和本民族的审美文化、审美理想，进而提高学生的文化素养和绘画表现。

（二）研读古代画论，体会国画中“笔墨”的精妙

中国画在长期的发展中形成了大量的绘画理论和笔墨技法语言，对中国画的绘画理论特别是古代画论深入理解和学习，如谢赫的《六法论》，荆浩的《六要论》等，教师在示范笔墨技法的同时把围绕该技法的相关画论，加以解读，让学生结合理论来练习技法。笔墨是中国画学习的重要内容，它不单纯是技法形式，更是画家对宇宙万物关照方式的具体表达。水、墨通过笔法的带动在宣纸上渗透，绽放了国画的生命力，幻化出复杂多变的笔墨意义和形式。所以，在国画技法的练习过程中，教师应当将笔法、墨法详尽介绍，让学生理解作画过程中笔墨变化的韵律和节奏感、物象造型的气韵、形神等，更要理解笔墨是审美表象和精神情感的完美融合，体会其中的笔墨趣味和精神意境。

（三）运用古代诗词等国学经典，增加国画作品的“意境”

古代诗词是我国传统文化中的瑰宝，跟绘画有异曲同工之妙，北宋文人苏轼言：“诗画本一律，天工与清新，”许多画论也强调诗画“异体而同貌”、“异迹而同趣”。诗和画分属于的不同的艺术领域，却有很多互通、互济之处，都追求一种“诗情画意”的意境。著名美术史论家、批评家薛永年曾说过：“就意境的创造而论，大家普遍重视情与景的统一，但缺乏“画外意”……所谓“画外意”，与诗化思维有关，要求借助有限而超越有限，不满足于“做诗必此诗”，主张借助比拟、联想和想象，“见青山白道而思行”、“见平川落照而思望”，拓展景象，甚至提升境界。”说的就是现在一些绘画作品痴迷于技法和图式的表达，缺少一种文化底蕴和耐人寻味的意境，最终流于形式，以诗的思维取材、入画，可以摆脱俗气，提升作品的意境和格调。国画教学也是一样，教学过程偏重绘画技法上的训练，而忽视了提高学生的文化素养，导致创作出来的作品单薄、俗气、格调不高。在国画教学中增加诗、词、歌、赋等课程的导读，对提高学生的理解和感悟，增加作品的意境和文化内涵等方面不失为一个有效的策略。

总之，中国画是自然的、虚静的、更是哲学的，是我国传统人文精神和哲学的艺术表达，在国画学习中，提高学生的文化素养和审美认知还有很多其他的方法和策略，但从国画的本质和特点等方面来讲，以上的几个策略是最直接和有效的。当然，对古代经典文化的学习、理解，最终转化为内心的感悟和艺术上的表现力，也是以上几个因素共同起作用、潜移默化的长期的过程。（作者单位：六盘水师范学院艺术系）

参考文献：