表演的心得体会例1

首先教师要通过系统学习切实把握社会主义荣辱观提出的时代背景、科学内涵、精神实质及历史地位，使自己真信“八荣八耻”，然后再以自己的实际行动做践行社会主义荣辱观的表率，发挥率先垂范的榜样作用。

教师在社会上拥有极高的声誉，是“人类灵魂的工程师”，是“照亮了别人燃烧了自己的蜡烛”。然而随着时代的变迁，教育在某些地方变成了赚钱的产业，一些教师也趁机追名逐利，甚至不牺以违反基本的道德规范为代价，比如某些大学的极个别教授文章抄袭剽窃事件、学术履历造假事件，还有的教师在部级考试中故意泻题、考前偷题、考场作弊等等事件。这些事件虽涉及的是极个别的教师，但其造成的影响却是极坏的，使整个社会对教师信任度下降。因此在这种情况下，教师更有在弘扬和践行社会主义荣辱观方面走在全社会前列的必要。

表演的心得体会例2

在音乐表演者表演的过程中会有很多因素影响着他们的心理情况，但是这又是不可避免的，这些因素肯定会在表演过程中出现，这就需要音乐表演者自身进行调整，及时地调整对于表演质量的提高有着很大的帮助。

一、表演者心理的常见问题

（一）内心紧张

心理紧张是表演过程中很常见的一个问题，并不是每个人都有勇气去面对台下那么多欣赏者，台下观众炙热的目光会让表演者觉得观众对他们有很大的期待，这就很容易让表演者附加很多的压力给自己，从而影响表演的质量。在音乐表演的过程中，很重要的一点就是将自己的情感投入到表演之中，但是因为受性格、临场发挥等因素的影响，紧张的感觉总会不由自主地产生，这就很容易导致自己的情绪失控，让表演者很难进入到自己的角色中，发挥不出自己正常的水平，从而使得最终表演的成果不尽人意。音乐表演是一门需要将知识和实践结合在一起的艺术，所学的东西不能脱离舞台本身，因为表演考验的不仅仅是表演者自身的技艺，更是他们的心理素质，很大程度上表演的好坏是由表演者的心理状态决定的，因为表演者能站上舞台这就说明表演者本身的技艺是没问题的，所以此刻更多的是心理的比拼。内心紧张的本质就是表演者本身对于舞台表演存在着障碍，恐惧是每个音乐表演者最大的敌人。

（二）情感和理性的不合理投入

音乐舞台上的表演需要表演者投入丰富的感情，音乐表达的感染力与情感的投入有着很大的关系，热衷于音乐表演的人都很喜欢处理自身情感与歌曲的关系。但是在表演的过程中，无论是情感还是理性，一旦投入的不合理，那么就很容易使表演失去原来的味道。情感的过分投入会导致自己心理的失控，失去对于表演歌曲本身的掌握，气息失调，乐感也会下降，虽然这样看上去情感表演很充足，但是却使音乐变味，反而得不偿失。比如某首音乐充满着伤感，音乐表演者把自己完全沉入到这悲伤的氛围当中，那么很容易就失声痛哭，情绪得不到控制，导致自己心理的崩溃，使得对音乐的掌握失控，表演也从此就中断。同样的，理性的过分投入也是不适合的，音乐会因为这失去它的感染力，表演本身也会变得非常的枯燥、单调，使得观众觉得听到的仅仅是歌曲本身，而表演者就像一个装着音乐的驱壳，是一个重复音乐的播放机，观众也会对此失去兴趣。由此可见，在音乐表演者在舞台表演时，理性与感情的正确处理是非常重要的。

（三）不合理的肢体语言

人的心理很大程度上会受到自己身体语言的影响。在表演过程中，肢体语言也是对于音乐表达的一种展现方式，它需要符合音乐所产生的情感。不合理的肢体语言会影响到表演的效果，表演的肢体语言被台下的观赏者所注视着，自己的一举一动都清清楚楚的在他们的眼中。所以，当有不合理的肢体语言时，自己会担心会不会被观赏者所不喜，从而使得自己身体僵硬，不敢表达，也会让自己的心理变得更加紧张，手足无处，导致表演的失败。对于观赏者而言，肢体语言的表达也是他们关注的一部分，不合理的肢体语言会使他们对于歌曲本身减分，欣赏者很难从肢体语言中去感受到表演者内心情感的感觉的变化。因此，表演很难达到预期的效果。

（四）观赏者本身的观赏态度

观赏者的态度对表演者的心理有着很大的影响，很大程度上，表演者表演的好坏就是取决于观赏者对他们的反应。每个表演者都会希望在表演过程中得到欣赏者的肯定，掌声就是一个很好的体现，观赏者表现出他们的喜欢的时候，表演者也会更加有信心去进行接下来的表演。相反，如果在表演过程中没有得到观众的回应，甚至得到的是观众的嘘声，那么对表演者心理本身就是一个很大的挑战，内心会很难避免地出现紧张和对于自身的质疑，那么这就会导致他们接下来的表演变糟，到最后也不能改正，由此可见观众的反应是很重要的。

二、针对上述问题的解决方法

（一）正确认识自己，建立信心

自信是建立在实力的基础上，实力是表演成功的最重要的条件，自己的实力达到后，上舞台也不会那么紧张，因为自己知道自己有能力将这个表演进行好，当自己有了这个感觉以后，上台表演也会变得水到渠成。俗话说得好“台上一分钟，台下十年功。”音乐表演就是这个样子，只有当自己的知识储备和实践充足以后，才能给观众带来精彩的表演，所以，我们要努力学习，提高自己表演能力。对于自己的实力要有一个正确的一个评估，切记不能够对自己有一个过高的期望，对于这些期望要进行客观的分析。如果把表演当做是自己的事业和成就，将这些表演进行盲目地夸大，带着很沉重的心理负担去进行表演，那么在还没表演的时候就已经焦虑万分，更不要说自己站在台上的时候，这只会使自己的表演失败。所以，表演者一定减轻自己的心理负担，不要将表演当做是一种竞争，放下自己的求胜心，将每一次表演当做是自己锻炼和学习的机会，正确认识表演本身的性质。人的认识很容易影响自己的心理状态，不同的认识对于心理的改变有着不同的作用，摒弃那些求胜、攀比的心理，选择那些最适合自己的作品，而不是盲目地选择那些难度高的歌曲，只有适合自己的才是完美的。而且另外一种很好的方法就是对于外界的一切都“不闻不问”，将自己所有的心思都放到接下来的表演中，这也是一种很好的心理暗示，有利于表演的成功。

（二）正确处理情感和作品内涵

音乐表演时需要表演者把自己的情感投入到作品中，只有融入了感情的作品才称得上是好的作品，所以这就需要表演者去了解作品的背景等等和它相关的东西，只有这样才可以更好地理解作品，使作品展现出生命力，引起观赏者的共鸣。在这个基础上，表演者还需要从自己的知识储备中挑选出适当的内容去迎合作品，站在作者的角度和立场去理解作品，这样才有可能恰到好处地阐释作品的内涵。一切的艺术表演都是来源于生活，表演者需要在生活中吸取灵感，将自己从生活中获得东西投入到作品中，这样表演才会更加立体，也容易让人感到亲切。在表演过程中，情感会通过肢体表演的方式表达出来，这就需要我们克服心理上的障碍，不能拘泥，要学会放开，把自己的心更好地投入到作品中，那么肢体语言也会很自然的表现出来，自己内心的紧张也会随之减轻。由此可见，正确处理好自己情感，并且了解作品内涵是如此的重要。

（三）快速摆脱心理的迷茫期

每个音乐表演者都会在某个阶段陷入自己的低谷中，总认为自己很长一段时间内没有进步，但总是一次又一次地加强对自己的训练，却又不知道自己前进的方向在哪里，这样的迷茫期是由于自己僵化的学习方式与不合理的心理状态导致的。走出这样的迷茫期需要的不仅仅是训练，更重要的是对于自己的鼓励，每天都要激发出自己表演的信心，不能够以消极的态度去面对，只有这样，才能够加快自己走出迷茫期的步伐。音乐表演者不能因为这一段时间的迷茫就失去信心，应该尽快摒除这样的心理，在自我鼓励中一步步地前进。

三、结语

对于音乐表演者而言，心理的变化对他们有着很大的影响，学会控制自己的心理是非常重要的。因此，需要每个音乐表演者重视心理对于自己表演的影响。本文论述了影响音乐表演者心理的几个因素和解决方法。希望本文的论述对音乐表演者解决心理问题有很好的帮助。

参考文献：

[1]李新潮.舞台表演焦虑对演出的影响及其调适[J].河南师范大学学报，2003，（06）.

表演的心得体会例3

中图分类号：J828 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）02-0199-01

杂技表演具有惊险、奇特、高难度等特点，符合人们的猎奇心理和欣赏要求，一直以来深受广大人民群众的喜爱。随着观众的欣赏品味越来越高，以及杂技技术的不断发展，杂技表演越来越向着挑战人体极限和超越自我的方向发展。

一、杂技演员必备的素质

（一）提高身体素质

杂技演员必须具备良好的身体素质。良好的身体素质是杂技演员表演杂技的基础，是完成杂技表演的第一前提。身体素质指的是身体的力量、柔韧、速度、耐力、灵敏度、平衡力以及协调性。身体素质达不到要求，可能会使得一些技术动作无法完成，或容易造成技术动作上的失误，甚至会直接导致受伤等情况的发生。例如，在跟腱弹性、伸展性不足的情况下，跟腱在快速起跳的时候容易造成拉伤甚至断裂。所以，提高身体素质是完成一些高难度技术动作的前提，是行之有效的防止训练、表演受伤的措施之一。

（二）体会技术要领

杂技表演具有很强的技术性，大部分吸引观众的杂技表演都是一些具有高难度技术动作的表演。杂技演员在完成这些高难度动作的时候，光有良好的身体素质是远远不够的，还必须深刻体会技术要领，科学地完成技术动作。技术要领体会不足或完成动作不科学，可能导致表演过程中受伤、表演中断甚至无法完成技术动作等后果。因此，体会技术要领是杂技演员必须具备的另一个素质。

（三）加强心理素质

加强心理素质是杂技演员演艺生涯的终生课题。随着杂技演员身体素质以及技术动作等综合能力的提升，心理素质越来越占据着至关重要的地位。而且针对不同的表演项目，例如有的表演项目要求技术动作的准确性和稳定性，而有的表演项目则要求动作的快速和肢体的敏捷性等，杂技演员应具备的心理素质都不尽相同。有些杂技演员对自身的综合能力评价不足，缺乏自信心，因此产生畏惧心理，过度紧张导致发挥失常、表演失败;有些演员情绪容易起伏，难以自控;有些演员态度消极，没有表演欲望等，都会对杂技表演带来不良的影响。因此，培养杂技演员的心理素质显得非常重要。

二、杂技演员心理素质培养

杂技演员的良好心理素质并非是天生的，要想使得杂技演员在情况多变的杂技表演过程中处变不惊、临危不乱，必须要经过心理素质的培养和训练。

（一）培养攻克高难度动作的心理素质

在杂技表演训练中有时会出现高难度技术动作屡攻不下的情况，久而久之会对杂技演员造成一定的心理压力和不良心理影响。在这种情况下，即使偶尔完成技术动作，也很难保持稳定，经常会出现“抛脱”现象。这与技术动作的高难度有关，也与杂技演员对高难度技术动作的心态有关。

（二）培养强烈的表演欲望

杂技演员必须具有强烈的表演欲望，因为杂技表演不仅是杂技动作的简单完成，更是一门表演艺术。人皆有欲望，而表演欲是杂技演员在其演艺事业上不断进步的原始驱动力，是其杂技事业成功的基本元素。

（三）培养平和淡定的心理素质

部分杂技演员的情绪容易受到外界因素的干扰。例如各种利益关系、人情关系和社会关系等对杂技演员表演前及表演过程中的心理都会造成不良影响，导致演员发挥失常甚至无法完成表演。在一些重大的表演或者比赛现场，部分杂技演员会产生过度紧张、甚至怯场的情况，要想避免这种情况，需要在平时的训练当中着力培养平和淡定的心理素质。

（四）培养接受失败、愈挫愈勇的心理素质

杂技表演因其特有的不确定性，在表演现场时有意外发生。因演出与训练的差异以及当天的场地情况和杂技演员的身体状况等因素的影响，杂技演员经常会出现严重的技术失误甚至因此而受伤，导致表演失败。在这种情况下，一些杂技演员会一蹶不振、意志消沉甚至万念俱灰。因此，在训练和表演时，要确立一个切合实际的目标，不能定得太高，否则容易因完不成目标而丧失斗志，失去信心。设立明确而合理的奋斗目标，可以让杂技演员循序渐进地朝着目标而努力奋斗，慢慢培养成勇于接受失败且愈挫愈勇的心理素质。

三、结语

综上所述，良好的心理素质是决定一个杂技演员最终能否胜出的关键因素。杂技演员心理素质的培养不是一朝一夕之功，而是贯穿于杂技演员的整个职业生涯的，需要用科学良好的训练方法，通过长年累月的训练培养，才能达到理想的心理状态，这是每一个优秀的杂技演员必须面对和完成的挑战。

表演的心得体会例4

形体表演必须与人物内在的心灵因素整合起来，达到内外在塑造人物上的高度统一。形体表演以动作行程为核心的表演系数，自有其表演创作中的重要作用。动作的创造或创新可以给人物以催生或清醒的功效，让人物在这一出或一本戏的特定环境中更立体更生动。形体表演动作除固定的动作模式外，还可以有效地组合与突破，这就体现了舞台表演的灵活性与机动性。戏曲艺术的最终目的是把人物完整地塑造在舞台上，让人民能够接受其塑造的人物形象。形体动作是变化的，是根据故事情节和人物性格的延伸而变化，只有变化到通达，戏的立意和人物的色彩就亮堂。在戏曲表演舞台上，形体动作在舞台艺术中有着重要的地位，更有独具的特殊性。

特殊性的第一个点在于形体表演动作的“小小真实”，可以带来思想情感和体验的“大真实”，而形体表演动作的“小小不真实”，也可能招致情感、思想和想象的“不大真实”。戏曲表演舞台是以夸张性和虚拟性完成某些动作的，是大而化之的一种表演形态。演员的表演，有具体所指如人物的性格、爱好、情趣和作为等，都是在演员表演的传输过程中逐步完成的，有了外在的表演格式，才有了内在的心灵感应，使人物的性格显现出来。以秦腔《窦娥冤》为例，人物窦娥是位被压迫的女性，她的反抗意识经过了自发到自觉的状态，戏核重点集中在了“杀场”与“鬼告”两折中，“杀场”中的窦娥是满腹辛酸、满腹愤怒，指责封建礼教对人民的压榨和对人性的压迫，所以窦娥的反抗动作就表现的刚烈，这种刚烈可以映射到她思想情感的刚烈――控诉。她的三桩誓愿也是通过唱腔和形体动作反映出来，让人们明白了窦娥当时的心情，看懂了由弱到强的真实体验。“鬼告”则是面对亲人的一种伤感哀怨，故此以柔对柔的形体表演，对窦娥的内在情绪把握得恰如其分。亲情的元素在形体表演中进行了很好的交流，尤其是分享时的转身、俯首，暗含悲戚与苦楚。窦娥就是窦娥，她的性格本质核心是悲怜的，令人同情，她的反抗精神又是令人振奋和欣慰的。形体表演动作把窦娥的真实凸显了出来，人物刻画就成功了。

表演的心得体会例5

舞台表演的形式有很多，包括音乐、书画、诗歌、体育、竞技，等艺术形式，作为音乐工作者或音乐表演者会有更多的机会接触舞台表演，以声乐和器乐为例，在舞台表演中出现的超常发挥现象。出现这种现象的成因、结果及意义，作出分析研究。

一、什么是超常发挥

舞台表演所出现的表现一般为三种，为发挥失常、正常发挥和超常发挥。作为音乐工作者及音乐表演者都有这三种情况的出现，正确看待这三种情况的发生，第一种和第三种情况的发生较少，产生的结果也比较极端，反差巨大，多为第二种情况的表现居多，表现的不够抢眼，也不能说不好。

1.发挥失常：个人因素的发挥失常体现在技术的变形，忘谱，乐曲的跑调，打结吧等，造成这些情况的因素有心理因素与乐曲熟练度都有关系。心理因素多为怯场与不自信为主，越怕出错越出错，在乐曲感情难点或技术难点上产生错误和变形，继而印证墨菲定律的正确性。还有一种是表演者自己身体的不舒服而造成的发挥失常，如晕场或血压升高，手心出汗，呼吸频率过快，导致自身无法控制或者是失去对身体的局部控制，舞台上与舞台下的崩溃，身理与心理的共同崩溃，导致舞台表演的失败。

总体来说，发挥失常中其他因素所占比例较少，个人因素所占比例较大，心理因素居首。在这需要说明的是心理因素与表演者是否身体残疾没有太多或太大关系，也就是说身体残疾不意味着心理素质有多差，身体健全不意味着心理素质有多好。

2.正常发挥：表演者正常发挥多得益于较好的心理素质，熟练的技术以及大量的练习。这些都是构成正常发挥的条件，也可以这样说，台下演奏与演唱的效果在舞台上正常发挥出来，台上台下表现的别无二致，虽然这都是正常发挥，但这是正常发挥中比较不错发挥。

3.超常发挥：这种舞台现象较少，对舞台表演者来说，这种现象可遇不可求，没有什么很好地方式方法来激发这种现象。

二、超常发挥的意义

超常发挥的意义在舞台表演中具有积极地意义，他是舞台表演中表演者表演艺术的最高体现，同一首乐曲，不同演奏演唱者都会有不同的变现，不同的演绎不同的二度创作。超越自己的极限或是超越自己现有的演奏演唱高度，都是积极地，都是一次一次跨越巅峰。

音乐带给听众的有愉悦、哀伤、等情感体验，也有治愈、励志的社会功能，用音乐感染自己与他人都是深刻的音乐变现，以自己的能力演奏演唱突破自己的乐曲，超常发挥自己的水平，可以获得更为美妙的音乐体验，或许触摸到音乐所表现的音乐意境。

超常发挥的概率较小，但在舞台上获得的演出效果却是巨大的，成功的。能够超常发挥也是灵感闪现，灵感摸不着看不到，但在舞台表演中是真实存在的。

三、超常发挥的激发

本人在舞台也有超常发挥的情况，总结其发生的情况有以下因素

1.自己心态的放松，没有特别大的心理压力，自身状态很好，演奏的很顺畅，难度较大的地方表现的自如轻松，从而带动了演出欲望，更好地演绎了乐曲。心态的放松并不是简单说说就能够做到，这需要长期的舞台锻炼打磨，对舞台的熟悉，对舞台气氛的熟悉，对舞台的驾驭掌控能力，这都需要好的心态，放松但不松懈，舒张有序，这样有助于超常发挥的产生，虽然不是绝对，但能够至少能够保证演出的正常进行。

2.自己情绪的高涨，演出时莫名的出现了这种情绪，内心渴望表现，对乐曲产生共鸣，在舞台上突然又有了新的二度创作欲望，或是说新的灵感的闪现，在舞台上的演出也得到了观众的认可。为了能够让自己的表现欲或是情绪的提高，也有一些奇怪的例子，比如在演出前喝酒，或是做一些与演出无关的事，这都是极特殊的个例，不推荐演奏者们尝试，但是保持高涨的演出情绪对舞台表演是有益的，也是积极的，从舞台演出对观众的礼貌来说，这也是对观众的尊重。

3.观众的情绪被演奏者感染，反作用于演奏者。音乐会或是综艺类演出会有这样的情况发生，观众的热情，演出场地的热烈气氛，带动了演奏者或演唱者的情绪，在演出过程中激发了演出欲望，形成了有别于以往的演出效果，出现了超常发挥的现象。这样舞台上与舞台下的良性互动互相影响，营造出演出高潮的氛围，也激发了超常发挥的出现。相反观众的喝倒彩现象也是非常影响演奏或演唱者的演出情绪的。

4.音响效果的影响。这种情况比较特殊，但也是存在的，有时候舞台上的声音传回演奏者或演唱者自己的耳朵里，都会有所变化，好的音色，也会让表演者有新的感受，某些时候被自己的音乐所感动，从而出现了超常发挥的表现。这种情况较少有，但却是真实存在的。舞台上的音响效果与自己在台下练习时是完全不一样的，并不是说台下弹得的是钢琴台上就不是钢琴，不是这个意思，而是音乐通过麦克风或电容到调音台再通过音响放送出来，这个音乐会有些许不一样，这些些许的不一样，细小的差别影响到演奏者，有时的影响是正面的，会让演奏者变得更为自信。这也是形成超常发挥的因素。

5.针对自己的能力特点有选择性的选择适合自己的乐曲。这点比较重要，简单点来说就是演奏或演唱适合自己乐曲，自己是属于婉约派还是豪放派，对自己要有清醒的认识，这样有针对性的选择乐曲，首先是能够比较自如的驾驭乐曲，其次乐曲符合自身条件也会取得事半功倍的舞台效果，再次更能激发内心与乐曲的共鸣，做为演奏或演唱来说，选曲的重要性是演出成功的必要条件之一。

总的来说，舞台演奏中超常发挥能够让演出更为成功，作为表演者需要更多的体验和研究这种现象，让舞表演获得更多的有利于自己成长或突破的机会，也让舞台表演更加成功。

表演的心得体会例6

中图分类号：TS942.5 文献标识码：A

随着现代教育技术的发展与教学手段的多样化，表演能力的训练方法也在不断扩展，但主要的还是从训练模式与心理训练模式出发，以此来提高时装模特的综合素质水平，这具有重要的实践价值，尤其是心理训练模式，它可以让一个时装表演者有着高水平的审美内涵而获得成功。

一，时装表演的行为训练

电化教学随着科学技术的发展而兴起，在时装表演练习中借助于现代化工具，能够做到示范观察、角色扮演、评价反馈等优势，可以做到表演能力的分批式训练。此中训练方式目标明确，项目集中又具有可控性，在练习中模特心理压力小，能够对某些特定动作集中学习，通过观察录像中自己的行为获得完整的反馈效果，最终能够提高时装表演能力。近几年的实践说明：通过利用科学技术等教学手段来提高时装表演模特的表演能力，其效果要远好于传统动作示范与讲解。

借助于现代教学手段的时装表演能力培养本质上是一种行为训练模式，注重行为的观察与表现上。在此观念指导下的时装表演能力训练过程便是注重具体表演能力的观察模仿上，在对表演能力的实践反馈上，注重的是模特行为与原有设定动作之间的平衡，要求模仿在造型上与原有的一一对应，最终实现动作的规范化、程式性，在固定下来之后形成模特的具体表演能力。事实证明，这种简单的模拟水平训练可以实现原有的训练意图，效果也很明显。与传统相比，具有这么多优点主要在于：它将复杂化的时装表演能力进行细化，转变成一个个简单动作，让模特不需要再揣摩设计师的服装风格、设计意图等表演行为，而仅仅是对造型亮相等作为学习重点，最终实现了表演动作的简单化与易于表现；由于有着原有的造型，可以通过技术来反复观察，模特可以获得清晰具体的动作信息与评价；训练项目单一化、心理压力小，积极性高。以上这些原因导致训练具有良好的效果，确保表演能力的有效性。

在时装表演能力注重动作技巧的同时，我们不能忽略心智能力，毕竟简单地模仿训练不能将模特与时装的特有风格进行展现，这就需要心理训练来弥补。可见，时装表演应该具有动作技能与心智技能的融合性特点。在具体表演中，心智技能是隐形的、无法观察的，但同时，它对表演动作的完成与方式选择又有着决定与调控作用。原有的行为训练模式在模拟条件下通过反复训练可以获得执行动作的模式，但是并不能获得真实的表演效果，她们在真实表演或比赛中，由于服装灯光、音乐场景等具体因素都会对她们的表演造成影响，这是需要他们随时调整自我表演状态才可以获得成功，这种调控能力就是心智技能。在真实表演情境中，她们不能确定自我表演的有效性能否得到评委的认可而心理负担增加，一旦出现失误就会心理焦虑，进而影响动作发挥，如此恶性循环，必然对表演效果有所影响，因此，在注重行为训练同时还要增加心智技能的心理训练。

二，时装表演中模特的心理特点

时装表演能力的实质：在具有表演能力操作水平后，分析比赛中优秀模特的经验并将其转化为自己经验，此过程就是心智技能形成过程。有一点需要明确：在模特接受表演能力之前，原有生活经验中已经积累了大量的时装模特表演行为的具体动作，这些技能行为操作不自觉地成为了自发经验，一旦意识到自己成为模特时，这些头脑中的记忆便会得到激发调动，并能够成为模特掌握的最先的动作技能的直接依据。即便是这些信息是零碎的不完整的，但至少有着具体动作画面的脑记忆“图片”。著名心理学家加涅在分析学习运动技能的条件时也指出，“在学习者观察一个技术熟练的示范者的动作时，他们能够获得‘运动计划’或构成执行路线的动作循序步骤，非常有趣的是，学习者在观看运动动作的示范之后，通过心理的练习，他们可以会完成大量的运动技能的学习。”【1】由此可知：模特在接受专门表演能力培训之前，她们已经获得了相关模特表演行为外在形式的各种表象，同时还可以通过“心理的练习”来掌握这些外在形式形成表演能力的自发经验。这些不正确的表演行为记忆依据所形成的错误表演动作经验，也会对表演技能规范训练有所影响。此外，模特进行专门表演能力训练之后获得的经验也会对时装表演能力的形成与运用有所影响。

由上可知在培养模特的表演能力时，教师要首先内化教学经验，而模特对教师经验的掌握有着三种不同的认知模式：通过定义来认识教师经验；通过图式、原型的方式来形成表演能力概念；通过具体的例证来认识某类服装，进而复制表演能力的操作行为。认识到这些认识特点后，我们就会意识到行为训练模式存在的问题：为何时装模特对单一风格表演能力的掌握运用要好于多风格表演能力的组合运用？为何无条件或简单情境中表演能力水平要高于有条件或复杂情境中的动作操作正确性？由此，我们发现了时装模特掌握表演技能存在的心理问题，而且发现了行为训练模式本身的局限，这有助于科学有效的实现时装表演能力的获得――通过心理训练来形成稳定的表演能力心理结构。

三，时装表演能力的心理训练

建立时装表演能力的心理训练模式的目的是为了实现科学有效的培养时装模特表演技能，将原有的行为训练为主，忽视心智能力的倾向进行转变，建立适合于时装模特心理发展规律的表演能力培养模式。此心理训练模式首要对表演能力的结构、本质与时装表演能力的基本规律进行探索，保证科学制定出培养目标方法、程序内容。

时装表演能力是控制时装模特表演行为的程式化个体体验，是稳定的动作方法操作过程，包含着定向、模仿、整合与熟练四部分，是一时装表演操作知识为核心的行为训练与心理训练的集合。需要指出的是：时装表演能力的动作知识是形成能力的前提，但这些知识仅仅是具体操作训练，要形成一系列定型化的操作行为才算是时装表演能力；时装表演行为并不是能力本身，他只是表演能力可观察的外在动作表现，动作训练有利于形成表演能力，可以帮助模特获取表演经验，但是单纯的行为训练不能取代全部的表演能力训练，时装表演能力的完善归根到底还是要表演能力实践中心智技能的心理训练；时装表演技能中的心智技能贯穿于时装表演能力整个过程。同时，定向、整合与熟练是构成时装表演决策的基本因素与主要阶段，因此，我们也可以从此角度把时装表演能力化为操作能力与决策能力，决策是操作的内在基础，操作是决策的外在表现。

建立表演能力的心理训练模式需要从以下几点出发：

1、对超级模特的时装表演进行研究，把握其行为动作经验。在对超级模特进行研究时，既要注重操作行为的外在表现形式，还要对其内心复杂的心理活动进行考虑，通过观察其心理动作的特点建立超级模特控制行为动作的心理模式。一方面分解优秀模特的表演动作，还有对其表演行为所要突出的服装风格、款式特点等的心理变化做出研究，以此完成经验的外化。

2、改变原有表演能力注重模拟情境的做法，加入心理操作的模拟条件。心理操作的模拟条件主要是呈现出有观众观看的表演模式，引导模特建立表演行为的心理诊断模式，同时还有规定服装表演的风格，加强心理训练，增加抗心理压力与心理焦虑的能力。

3、时装表演能力的培养重点在现实表演情境中的随机应变能力。在表演能力的实际运用中，由于模特不能对真实情境正确认识，没有建立表演能力完整的心理结构，不能够将表演情境、服装特点风格、设计师的设计意图等正确考虑，导致出现错误决策。因此，在在时装表演能力训练中，除了要训练行为动作外，还要进一步明确超级模特相对应的决策过程与决策依据。要通过指导老师的讲授与示范，使模特获取相应的决策过程和决策依据的知识，通过建立表演情境、模拟表演决策、比照服装风格、服装功能等一系列方式来完成对超级模特经验的内化。

4、建立完整的表演行为训练过程，注重表演行为训练与心理训练的整合。时装表演行为训练是定向、模仿、整合到熟练的过程。定向是对时装表演能力的操作行为有着整体的动作了解，知道做什么与如何做，获取表演能力的动作技巧；模仿是掌握表演能力动作的开始，通过模仿才可以将表演方式的动作印象得到检验巩固、校正充实；在能力培养时，整合很重要，通过整合可以将时装表演能力内在各要素相联系，形成整体，强调表演技能的整合可以克服运用现代化教学手段引起的单个表演行为的缺陷，使整个表演趋于协调成熟。

本文提出的表演能力的心理训练模式是对行为动作训练的重要补充，目的就是为了实现科学有效培养时装表演模特的表演能力，改变原有重视技能的行为动作训练，忽视表演能力的心智能力训练，建立优秀模特表演能力培养的训练模式。

注释：

【1】加纳，学习的条件【M】，人民教育出版社，1985:254-255

参考文献

表演的心得体会例7

表演将静态、无声的音符变成动态的、充满情感的音乐，赋予音乐艺术以生命。一段充满感情的声乐艺术表演，能够激发人们的情感，让人获得勇气和力量，使听众与创作者的思想产生共鸣。声乐表演者需要了解声乐表演艺术的特征，采用合理的方式，将情感表达出来。本文针对声乐表演艺术的特性及情感表现方式进行具体分析［1］。

1声乐表演的特性

1．1模仿性

模仿是表演者通过肢体语言、形体动作对客体进行类似行为的过程。声乐表演者在学习初时都要经历模仿这个阶段，仿效别人先进的表演，汲取前人的经验，不断积累经验，为其未来发展奠定坚实的基础。在前期模仿过程中，表演者要从声音运用、吐字、表现等各个方面努力，做到声音运用得当、吐字清晰、表现得体。语言表演的模仿性是声乐表演的基本特征之一，也是直接影响表演效果的因素［2］。吐字是语言表演的关键，表演者要吐字清晰、语音准确、悦耳动听。以《歌颂祖国》的歌曲为例，演唱时，语言不仅要做到字正腔圆，而且要与肢体语言相配合。

1．2特殊性与创造性

特殊性是指表演者的根本个性以及艺术风格。表演者本身的思维方式、文化背景不同，对音乐的理解也不同。即便是同一部音乐作品，不同的表演者展现出来的效果也是各具特色。特殊性包括嗓音情况、腔体构造以及音乐类型等等，这些都会影响声乐表演的效果。创造性是指声乐表演者通过对音乐作品的理解，在自身表演经验的基础上，对表演进一步认识，并选择适当的表演方式，进行二度创作。二度创作不能改变作品原作者的创作初衷与作品内涵。表演者发挥自己的想象力、创造力，使表演更加丰富生动。听众听到音乐时会产生各种感受，通过各种感官体会音乐创作者赋予音乐的内涵。创造性使音乐表达更富有张力和感染力，能够提升音乐的魅力。对于声乐表演者来说，结合特殊性与创造性进行表演，是对原创作品内涵与形式的高度再现，是从简单的模仿向进一步创造的转变。表演者在展现自身表演风格的同时，充分挖掘自身的潜能，将最好的一面展现给观众，最大限度发挥出演唱艺术的创造性，这是声乐表演能够获得成功的基础。

2声乐表演艺术的情感表达

2．1情感表达应该遵循的原则

音乐表演的一个关键原则，是历史性与时代性的统一，音乐的创作者处于一定的时代，因此作品中会体现出很多历史特色与历史风格，听众也能够从中感受到当时的时代风貌［3］。2．1．1历史性任何一部音乐作品都必然有自己的创作历史背景，作品演奏过程中一定会展现出一定的时代特色，这个时候就需要表演者运用手指的力度，展现音乐的历史性与时代特色。以钢琴表演为例，巴洛克时期的钢琴作品节奏快、韵律强，这就要求声乐表演者在演奏的时候手指敏捷、触键快速掌控好刚柔度，不能将键盘演奏得过实、过硬。又如:在浪漫主义时期，钢琴有了进一步发展和创新，能够充分将演奏者的手臂力量发挥出来，这样演奏效果更具震撼力与戏剧化效果。因此演奏者拿到一首曲子，应该先看看它们属于哪个历史时期的作品，进而选择使用哪一种弹奏方式。2．1．2时代性音乐表演是复杂的、内涵丰富的，演奏者既不能脱离作品创作的时代，也不能完全脱离自己所处的时代。因此他们必须具备较高的音乐美学素养，能够将历史性与时代性相结合，恰到好处地处理演奏技巧，为历史音乐作品注入现代化的风格，获得更多现代人的青睐和喜欢。

2．2声乐表演中的情感表现方式

技艺高超又兼具良好情感表现力的演奏者，不仅能够给人们带来审美的愉悦，还能够丰富作品的内涵，使当代人与音乐创作者达成心灵的共鸣，这样的演奏即便时间很长，人们也会十分乐于倾听，因为这不是单纯的弹奏，而是一种内心的诉说，一种经历的回顾，每个节奏、每个章节都拥有不同的内容。听众能够感受到作品传达出来的情感与思想内涵，心灵会因此受到触动和洗涤［4］。2．2．1深刻体会音乐作品的情感意蕴首先，表演者要充分研读歌词内涵。一部好的音乐作品，歌词是基础，表演者要逐词逐句研究歌词，将情感放入歌词中，结合自己的想象，身临其境地去感受歌词所表达的深刻含义，这样才能够更好地表现出音乐的魅力与感染力。以作品《嘉陵江上》为例，其歌词表达了中国人民对日本侵略者的憎恨，鼓励中华儿女勇敢地站起来与日本进行斗争，表达了中华人民团结一心将敌人赶出家园的决心。此歌曲开头采用了咏叹调的形式，将人们内心对敌人野蛮行为的愤怒充分地表现出来;接着采用中弱音表达对故乡、故土的强烈思念;歌曲的高潮部分表达了必胜的信心，演唱的时候声音须高亢而洪亮。其次，表演者要对每一部音乐作品的整体风格进行掌控。作品创作者的生活方式、生活经历、生活态度之间的差异，导致作品风格以及基调也有很大的差异。表演者全面掌握音乐的整体风格，了解音乐创作文化背景，才能将音乐诠释得更好。从世界范围来看，欧洲巴洛克时期涌现了很多适用于教学领域的音乐作品，如《弥赛亚》《阿里路亚》等。这些作品空灵、简单、透明，听众听后，情绪得以释放，心理得到洗涤。发展到了浪漫主义时期，音乐形式更加多元化，人们追求人性解放，导致音乐的内涵更加富有个性，个人情感更加浓郁。声乐表演者想要展现出音乐的魅力，必须充分理解音乐作品的特点和风格［5］。2．2．2构建作品必须深入作品伟大的音乐家贝多芬曾经说过:“音乐不在谱上，而在谱子之间”。声乐表演者要结合音程、音阶，展现作品的内涵，通过二次创作将音乐的抽象内涵形象地表现出来。一位优秀的声乐表演者不仅要具备创造力，还要具备深入挖掘作品内涵的能力，通过自己的想象力和创作力，挖掘出无尽的音乐魅力。所谓“心里有，嘴上才能有”，说明了表演者要深入拥有对作品的理解和认识。心中有了具体的形象，通过演唱，将这些内容展现出来，并赋予其情感和魅力，使表演更加完整、富有感染力。没有内涵、心声的歌声是空洞的，不能打动观众。声乐表演者需要持续、深入的练习，才能达到良好的延长效果。所以说，深入研究作品，是声乐表演取得成功的关键。

2．3充分表现表演主体的内心情感

内心情感的表现对声乐表演有很大的作用。表演者首先对作品进行分析理解，再通过自己的想象，诠释音乐作品中的形象。真实情感的表达使乐曲的形象更加具体、生动，并富有感染力。2．3．1表演主体的情感萌发声乐表演者作为音乐创造的载体，主体情感萌发是提升音乐作品感染力以及表演效果的关键。表演者掌握作品创作的时代、文化背景以及创作意图，能够使情感萌发更加顺利。表演者对音乐产生的感觉，也可以称为直觉。如果是声乐表演，产生这些直觉的信息就是乐谱和歌词。基于心理学的角度分析，表演主体直觉具有敏感性、直接性，是一种不需要解决语言就能够领会音乐内涵的能力，很多人也将这种能力称为乐感。以作品《黄水谣》为例，它选自《黄河大合唱》。中国伟大的音乐家冼星海创作该作品仅仅用了一个星期，即便是在如此短暂的时间内完成的创作，它依旧是冼星海最杰出的作品之一。直至今天，传唱率依旧非常高，充分说明这部作品具有良好的民众基础。《黄水谣》的主题是表达人们对中华民族精神的崇敬。声乐表演者进行表演前，首先要对歌曲本身进行研究，萌感，体会作品的灵魂，理解歌词的内涵，充分体悟中国人的愤恨，将日本帝国主义当时“奸淫烧杀、一片凄凉”的情境表达出来，展现当时中国人民所遭受的灾难。在此基础上，表演者通过二次创造，从不同的角度领会作品主旨，把握作品的内涵，在脑海中形成不同的直觉和情感，然后通过合理的演奏方式，将这些情感表达出来，使听众产生共鸣。2．3．2表演主体的情感融注萌感是表演者对声乐作品风格与特色的客观认识，而融注情感是表演者将客观认识转化为主观认识的过程。情感融注的基础是萌发感情，但并不是融入情感之后就成功了，它还需要进行更深一次的提炼。表演者要通过联想自己的生活经历、亲身体验等，充分挖掘自己的文化底蕴，使情感融注更加深刻，更加富有艺术性和深度。表演者对这种深层提炼越精准，其对作品的表现也就越丰富、越清晰、越具有层次化，这也是表演者彰显自己演奏风格的基础。作为歌曲的两个核心组成要素，声音与情感是相辅相成、缺一不可的。表演者在表演的时候，不可偏重于任何一个方面，演唱最高的境界就是声情并茂。著名的音乐家柴可夫斯基说过:“那些小鸟们，只要嗓音，不用整个心灵去唱歌”。他通过这样的比喻，反对那些没有情感的表演。由此可见，单凭借技巧去表演的表演者是不合格的，是不能真正展现声乐魅力的。因此，声乐表演中，必须做到情感与技巧的融合。

3结语

声乐表演艺术本身就是一个极具创造性的过程。在忠于创作者的创作意图、思想的基础上，表演者通过研究歌词、背景文化以及整体风格，了解音乐作品的本质内涵，通过适当的演奏技巧以及饱满的情感，凸显作品的特色和思想内涵，赋予作品生命力，将静态的音符塑造成鲜活的形象，最终达到表演者、接受者、创造者共同完成音乐创造过程的目的。

［参考文献］

［1］陈光芬．浅谈高校声乐表演教学［J］．音乐时空，2015(8):12－15．

［2］许潇尹．高校声乐表演教学模式探究［J］．艺术教育，2016(6):23－25．

［3］谭学胜，向松．声乐表演的美学思维———评《声乐表演艺术与教学实践研究》［J］．高教发展与评估，2016(3):45－47．

表演的心得体会例8

中图分类号：J812 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）05-0056-01

一、充沛的情感使表演节奏更流畅

我们都知道，表演中的节奏分为内部节奏和外部节奏，内部节奏即内心节奏，它决定着外部节奏。对于内心节奏而言，情感的运用是非常重要的。演员如果情感充沛，能够生动、有力、准确地体现人物内心，那么他的内心节奏就是充实的，表演过程中的节奏就会更流畅。例如于是之先生在话剧《洋麻将》中的表演，从慢条斯理到内心翻腾，再到怒不可遏最后愤怒爆发，这样循序渐进、情感充沛的人物内心活动被他演绎得淋漓尽致。

当然，影响表演节奏的因素还有剧本风格题材、剧情的发展走向以及角色的需要等等。但这些无一不是以情感因素为基础的，演员在表演的过程中，大到时代背景、国家命运，小到具体事件、人物关系，包括为丰富角色需要而对表演节奏的调整，这些都需要充沛、真实的情感作支撑，由内而外、从内心深处去表达人物内心，塑造人物形象。也只有这样，表演才会不显得生硬，才会更符合剧情和人物，才会更加流畅。

二、细腻的情感使表演节奏更自然

在表演的过程中，情感的运用也要具体问题具体分析，不能一味以大的情感过分充沛地表达人物内心，更不能收敛过紧，让观众都察觉不到人物情感的变化。在保证充沛情感因素的前提下，演员还要学会适当运用细腻的情感使表演节奏更自然。例如，话剧《雷雨》中的鲁贵在周公馆跟四凤说鬼的那一段表演，在明星版《雷雨》里被著名演员雷恪生演绎得恰到好处，真实自然。他极具个人风格化的表演中略带喜剧色彩，让气氛压抑的周公馆出现了一丝灵动的气息，他描述见鬼场景时候的表情、动作以及轻微的气息的变化，使观众在看他这段表演的时候既不因过分诡异而害怕，也不因其插科打诨的形象而跳戏。这种细腻的情感处理，就保证了这段表演的节奏在流畅的前提下更显得自然。

再如，话剧《鸟人》中的三爷，林连昆先生在演绎这个人物的时候就运用了很多细腻的处理办法，他驯鸟时的专注、说鸟时的得意、对待外国人的暗暗嘲讽，这些细腻的情感集中爆发在他找到黄毛这个唱戏苗子时的兴奋，但爆发得让观众一点也不意外，因为前面对于鸟的种种表现实在是三爷对唱戏这件事的无奈，后面的情感变化就显得很自然、很真实了。也正是前面表演节奏的自然，才有了整体表演节奏的流畅。

三、富有层次的情感使表演节奏更生动

演员在表演的过程中，富有层次的情感会使表演节奏更加生动，使整个表演充满起伏感。那么演员要如何做到让自己的表演富有层次、充满起伏感呢，抓住重点、停顿和对比是关键。所谓抓住重点，也就是要求演员理清自己的行动线，把握住表演节奏中的重点动作和重点台词；抓住停顿，就是要求演员在表演过程中要能够准确地把握住心理停顿，从而促进情绪的起伏变化，起到推进剧情的作用；抓住对比，是要求演员在表演节奏中注意动和静、抑和扬的结合，让表演的情感更加富有层次。运用好以上几个方面，就能够在表演中生发出富有层次的情感，从而使表演节奏更生动，也就是使表演更具感染力和打动人心的力量。

举个例子，话剧《哗变》中饰演魁格舰长的北京人艺表演艺术家朱旭先生，在处理受审这场戏时有一段经典的独白，这段独白中对于表演节奏中重点、停顿以及对比的运用可谓是淋漓尽致。从“我当然看过那份精彩的文件了，没错我全都看了”的爆发开始，“草莓事件”、“咖啡壶事件”、“电影事件”这些看起来不太搭边的事情都是为了对比“不尊重长官”这件事；然后，重点在于“草莓没什么”，而是“原则问题”，这不得不说朱旭老师那一句“我吼，我叫，我把它恢复了”处理得很有层次，很有起伏感和画面感；最后，“在我的舰上还了得！我刚才说了几个事件了？”这中间的停顿可谓点睛之笔，让观众的情绪随着人物的内心一下子沉了下来，感受到爆发的同时也感受到凄凉，感受到蛮横的同时也感受到无奈。正是这样富有层次的情感的运用，才使得表演的节奏那么鲜活、生动。

四、结语

综上所述，情感因素对表演节奏的影响是很重要的，演员掌握好情感的运用，无论充沛、细腻还是富有层次的情感，都会使表演节奏更流畅、更自然、更真实、更生动。当然，情感绝不是唯一影响表演节奏的因素，本文提出的几点也仅旨在对表演者有些S的借鉴意义，不足之处，请批评指正。

参考文献：

[1]叶涛，张马力.话剧表演艺术概论[M].北京：中国戏剧出版社，1990：200-204.

表演的心得体会例9

在音乐表演艺术的学习和表演过程中,始终贯穿丰富的心理活动,因此,音乐艺术表演质量的高低,取决于表演者生理、心理等方面所获得科学训练的好坏,以及它们之间协调配合的程度。我们只有从理论上对其进行认识,才能准确的把握住心理状态,培养,训练出有利于音乐表演的良好心理状态,才能有效地提高音乐表演教学的科学性和声乐演唱的艺术水平。

1.心理素质在音乐表演中的作用

所谓心理素质,心理学上认为:心理素质是人的整体素质的组成部分。一个人的心理素质是在先天素质的基础上,经过后天的环境与教育的影响而逐步形成的。心理素质包括人的认识能力、情绪和情感品质、意志品质、气质和性格等个性品质诸方面。

心理学认为,人的任何活动都是在心理调节下进行的。所以心理活动直接关系到人的操作能力。就音乐表演而言,心理素质的好坏直接影响音乐表演。举个简单的例子:有些人平时能够完整表演出的曲子,一上台就频出状况。经常表现为脸色发白,身体僵硬,双腿发麻,并出现口干舌燥,走音走调的现象,以致真实的水平得不到发挥。甚至有些表演者临台前数日出现身体不适感,如消化不良、发烧,或者感到声音嘶哑。其实这种状况,就是心理素质对声乐表演的一种消极影响。

2.临场心理和怯场心理

2.1.临场心理的调节与作用

对于一个表演者来说,临场心理的调节与控制对一个完整的表演有着非常重要的作用。不管是声乐表演还是器乐表演,如果没有一个稳定的心理素质,就不能保证演出的成功。因为任何形式的音乐表演都是一小段时间内的过程,既不能重复,也无法补救。怎样在每次表演中都能发挥出超越平时最好的水平,使每次表演都能成为一个成功的、具有创造性的表演, 这大概是每一位音乐表演者都希望达到的效果。

表演效果与表演过程的心理状态密切相关,表演中能够全神贯注是音乐表演者所要具备的心理状态。只有将高度集中的注意力投入到表演中, 表演者才能够将自己的技术和情感,全神贯注地融入到正在进行的音乐表演之中,成功地去完成表演。

优秀的钢琴表演艺术家临场时,都具备了这种注意力高度集中的心理状态。此时,表演者的全部精神都集中在音乐表演本身,没有任何其它多余的顾虑。不需要也不可能去考虑这哪里需要运用什么技术技巧,也不用分析乐曲的曲式以及内涵。如果在临场表演中产生这些不必要的心理活动,那就势必会影响倒整个音乐表演的质量。临场时,那些平时研究和练习中获得的种种体验与心得,都已化作表演者的潜意识和潜能,支持着正在进行的表演创造。表演者在演奏出第一个音时,就必须去检查声音效果,同时,还要在想象中捕捉即将发出的声音的表象。因此,表演中的注意是保证音乐表演者获得成功的重要心理状态,每一位音乐表演者都必须在平时的练习中,有意识地去培养和锻炼这一心理素质。

2.2.临场紧张心理的克服

临场前出现紧张的情绪,是一种比较普遍的心理现象。即使是一些经历过多次演出的表演艺术家也常常会出现这样的情况。表演环境的刺激对表演的效果有极大的影响。临场的紧张心理通常表现为心跳加速、呼吸失调、由于畏怯而失去控制力。这些“症状”在登台后随即自行消失。这些反常现象,使已经熟练的技能不能稳定地发挥。经过充分锻炼的表演者,对演出环境已经具备适应性,从而在演出中充分发挥技能,激起观众的共鸣。舞台实践对于表演者的成长是一个重要的锻炼过程。经过这个锻炼的过程,表演者把最初的紧张心理逐渐转变为丰富的经验,并且把表演与环境结合在一起。

有人曾经对小提琴家帕尔曼说, 有许多演奏家企图让自己相信, 他们是不会精神紧张的,可帕尔曼却回答说:“不行,他们一定会紧张的,事实就是如此。紧张是生活中的一种实际情况。你必须与它相处,与它相处得越好,你就能把它控制得越好。”问题的关键在于你怎样对待和处理这种心理状态,怎样在表演时避免和克服这种心理状态,或者把它的影响降到最低。以下是如何克服临场紧张心理的对策:第一,要有认真的表演态度。不要心存侥幸,对表演成果作过分的苛求。音乐表演需要的是认真和踏实的态度,目的是为了表现音乐,而不是表现自己。第二,要通过对表演曲目熟练度的掌握来加强表演的信心。因为通常一个演出的失败,就是因为准备的不充分,或者是训练的不适当造成的。只要我们作好了一些必要的准备工作,以及充分的练习,就能建立起表演的自信心。第三,运用心理暗示法,缓解临场紧张情绪。当我们一个人在琴房练习时就可以做这样的心理暗示: 我已经走上舞台了,在众多老师、评委的注目下,我要没有瑕疵地完成表演, 这样有意识地带着某种压力进行训练,学习并锻炼自己在紧张的情绪之下,去调节、控制紧张的心理。第四,经常参与演出,让自己从心理上适应音乐表演的环境。知识是由客观情况分析研究而来,必须经得起实践的检验,人们首先通过感知、表象、记忆、想象、意志、情感、推理、判断等心理与思维作用来认识客观事物的特征和规律,目的是在掌握这些知识的基础之上,通过实践改造客观世界和人的自身。这是避免临场紧张的一个重要方法。经常在大型场合演奏,可以帮助表演者不断适应表演时的环境,熟悉舞台气氛。演出得越多,受益越多。只要从这几个方面做起,表演者的临场紧张心理就能够被有效的克服,这对保证钢琴表演的成功来说是至关重要的。

2.3.怯场心理的克服

怯场就是在紧张的情绪状态下,人的大脑皮层中形成了优势兴奋中心,从而使保持记忆中枢的内容处于被抑制状态,具体表现是回忆不起熟悉的知识。对于初登舞台的表演者,环境刺激起着消极的作用,通常表现为怯场。怯场是由于演员临场畏怯,失去控制力,因而降低演出质量的现象,是由于情绪紧张导致生理和心理出现异常反应,音乐表演临场的怯场是比较普遍的一种现象。怯场会直接影响到表演的好坏,严谨的态度和意志是避免怯场的最佳途径。严谨的表演态度是要充分做好演出的所有准备。例如表演曲目的熟练度和背谱熟练程度等;意志就是在音乐表演过程中有时出现的大脑瞬间空白的现象,这时就需要凭记忆坚持下去。在台上,表演者应尽量忽略一些小的失误,凭自己的意志迅速调整自我的心态,将表演进行到底,才能有一个完整的表演。世界著名的歌唱家多明戈(Placido Domingo,1941――)曾回忆说:“在我脑中一瞬间出现了真空的感觉,这时就只能想到所唱的歌词和表演中所要的东西”。只想着音乐和需要表达的情感是在台上消除紧张的最好、最快的办法。

3.熟练的技术是克服紧张心理的前提

清朝著名评话家石玉昆说过“艺高人胆大”,有了顶尖的技艺,可以凭借高超的技艺在江湖上行走,就可以无往而不胜了。由于上台后的紧张感会影响到表演者的演奏状态,原本十二分的表演上台后可能只能展现七、八分。但如果在准备阶段就已经具备了纯熟的技术,那么不需要任何装饰就能驾驭全场。但如果在准备阶段技术就不过关,那么上台后必然会出现心虚、紧张的心理,所以熟练的技术是克服紧张心理的前提条件。表演者具备了熟练的技术,配合长期的心理训练,就可以轻松自如、一气呵成地完成音乐表演。

4.影响音乐表演的重要因素

音乐表演受两个重要因素的影响:一是表演者对环境刺激的反应;二是表演者对熟练技能的掌握及运用状况。上台之前,乐谱一定要背熟,乐谱背熟了,才能消除这种因技术问题而引起的紧张。如果技术不成问题,心理准备就是另外一个重要的因素。就是要有自信心与热烈的表现心理。同时绝对不要有这种思想:演奏错了怎么办?出意外状况怎么办?心理上越慌张,越容易引起技术上的错误。我们应该在表演时将注意力集中到演奏中去。另外,还应加强表演前的体力准备,如果演出之前心理活动过于兴奋,在演奏时就很有可能出现心有余而力不足的现象。

5.音乐是情感的艺术

音乐表演作为一种艺术种类,和其他形式的艺术一样,也是社会生活在人们头脑中的反映。无论是声乐曲还是器乐曲,是自然情感的抒发,还是周边环境的描绘,都是音乐家源于生活中的最直接的或者间接的情感和感受,再由音乐这个媒介反映出来的。所以,音乐表演源于情感,音乐艺术是社会生活的反映,这是一个根本原理。

作为音乐表演,其重要的使命之一就是深刻揭示和完美再现音乐作品中的情感和内涵。即表演者迅速产生的心理现象,如感觉,知觉,记忆,思维和想象等等;表演者只有投入自己的真实情感,才能生动地表现和再现音乐作品中的思想和情感内涵。我国清代音乐家徐大椿在《乐府传声乐情篇》中说:“唱者不得其情,则邪正不分,悲喜无别。”所以表演者应该完全沉浸并投入于表演中,把自己的情感与音乐作品中的情感融为一体,并把这种情感通过表演传出去,才能打动听众,从而引起审美者的情感波动并产生共鸣。音乐表演的技术技巧是情感表达的重要手段,情感表达是促进技术技巧发展创新的原动力。

音乐艺术是最富情感的艺术,不仅表现创作者的内心感受,更重要的是可以满足欣赏者心灵深处的某一情感需求。在音乐的诸多构成元素中,节奏好比“骨骼”,旋律好比“血肉”,而情感则好比音乐的“灵魂”。古人云:丝不如竹,竹不如肉。具备了健康的骨骼和丰满的血肉,人声则是最容易触摸到音乐灵魂的媒介。

声乐表演也是如此――只有感受文化、感受生活、提高素质修养;依据作品的思想内涵合理设计情境、心态、眼神情态、表演举止,运用丰富的声音色彩,展现作品的风格特色,排除一切与演唱无关的因素,融入作品,把“以情化声,声情合一”作为自己追求的表演境界,使审美主体跟音乐丰富的有序美发生感性直观中的身心关系,审美者从中获得审美愉悦或享受那样一种积极的、正面的身心反应。只有充分体会作曲家表达的思想内涵,才能使观众随着表演者一起投入艺术作品中,调动起观众的情绪,激发观众对于艺术情景的共鸣,才能达到表演者所预期的审美目的,使表演者完成最成功的表演。

在音乐表演艺术的学习和表演过程中,始终贯穿丰富的心理活动。音乐表演者心理、生理等方面的调节,以及临场表演时心理状态的控制,直接影响到音乐表演的质量。我们只有从理论上对其进行认识,找到解决方法,才能准确地把握住心理状态,培养、训练出有利于音乐表演的良好心理状态,才能有效地提高音乐表演教学的科学性和声乐演唱的艺术水平。

参考文献

[1]李锦云.《表演心理学》.[M].世界图书北京出版社.

[2]《表演心理》[C].《外国音乐参考资料》.1983年第4―5期.

[3]周映辰.《歌唱与聆听――中西方歌唱技术的历史研究》.[M].北京:人民音乐出版社,2008.

[4]《歌唱中的声与情》.[J].《商情》.2009年第25期.

表演的心得体会例10

关键词:情感;体验;思想

一、情感体验的涵义

1.现实中的情感体验

在我们的日常生活中,我们听到、看到,感知到的事物或情景,在我们的脑子里产生一定的心理过程,我们经历的些心理过成就是体验过程。这是我们生活中的广泛的体验的含义。

2.演员深入生活的情感体验

作为演员,不是体验自己的内心情感,而是通过想象,根据剧情要求和角色的特征,去体验角色的内心情感世界。比如演员要扮演雷峰,首先要通过生活体验熟悉雷峰生前的生活,然后通过合理想象,用艺术形式在舞台上把雷峰的动作、行为、声容笑貌及他的思想感情都淋漓尽致地表演出来,让观众深刻体会到雷峰的内心世界和精神面貌。这对演员来说,就是地对雷峰这个角色的情感体验。不经过对所塑造人物的思想情感的深入细致的体验,是不会成功创造出完美的人物形象的。

二、塑造人物情感体验的创作源泉

1.生活源泉

做为演员,要想塑造好角色,就要亲身去参加自己在舞台上所要反映的生活,亲自去体验自己所要塑造人物的所经历的生活,在体验的过程中,演员会遇到各种各样的情景、事情、人物,这些所见所闻的社会万象,生活白态,都是很好的表演素材和创作源泉。如果没有丰富的生活经验,又不想踏踏实实地去体验生活,体验人物情感,那么在表演中没有真实的感受,塑造的人物形象一定是公式化、概念化的干瘪的形象。所以,演员要重视积累生活经验,在生活中寻找素材。

2.演员本身对人物的情感体验

演员除了在生活中积累创作素材外,其本身由于对角色的理解不同,也会引起演员本人的情感共鸣,有些演员设身处地换位想象,将自己完全化身为角色本身,让自己情不自禁地产生出剧中人物那样的情感来,有些演员认为他们是用自己对人物的同情来创造人物的情感的。所以,演员创作人物情感体验的素材,不仅包括生活中的所见所闻,而且还有演员本人具有的与人物类似的情感体验和对人物情感的共鸣所产生出来的。这是演员表演来源区别于生活素材的另一源泉。

所以说,丰富多彩的生活及演员本身固有的情感共同为演员塑造角色提供了可行的表演素材。演员在采集素材过程中,一定要树立正确的世界观,正确地对待生活中发生的事情,能设想出,能想象到,才能利用“形象情态”体验到人物的思想情感。

三、如何创造人物的情感体验

1.演员要把剧中人物演的真实而生动,要能以“角色”自居

这是必不可少的创作过程。首先要了解角色生活的背景,生活环境,思想特征,情感变化等等,理解所要创造的人物后,接下来要感受角色,有创造性的感受,这种过程就是,把剧本分析对人物性格特征的认识和对人物外貌特征的假象,对角色形象的全貌构思都感受在自己身上,有创造性地在自己身上产生相类似的、角色的心理活动和外貌的自我感觉和体验。这样演员就可以为自己“我即角色”建立创造信念。从而获得表演上的成功。

在学校期间,我自己曾经在《 茶馆 》里扮演过一个小角色 ,为了塑造好这个角色,我到 老北京小胡同和当地老百姓生活在一起,天天对这些人进行观察,体验、研究、 分析,他们的一言一行,一举一动,声容笑貌,思想情感,性格特征等都在我的脑海里留下深刻印象,我反复揣摩他们的生活状态,模仿他们的动作特征,把自己所要扮演的这个人物所需要的创作素材通过这些真实的生活体验,大量地积累起来,视为我表演生涯里的一大笔财富,在此基础上,我又通过阅读大量的相关知识,了解他们的背景和生活环境,研究他们的内心世界,这样,在演出中就能轻松、自然、地把人物形象创造得真实而生动,有血有肉,有灵魂的人物形象,才叫观众信服。

2.对人物的内心世界整体构思

剧本中的人物面貌特征,体态,习惯的步伐,手势音色,语调服饰打扮都不一样,演员必须对角色有一个整体的构思,才能充分把握角色的灵魂。在舞台表演中才能轻松驾驭人物的情感。为什么有的演员动了很大脑筋去化妆所扮演的人物,有了很好的化妆造型,却演不出所要扮演的人物的气质呢?他的表演总是和这个化妆造型融合不起来,形象也感觉游离于角色之外,这就是形似而神不似。人物的内心世界和情感始终是一个人的关键所在,抓不住这一点,无论怎样努力,都不会收到好的舞台效果。

因此,演员在舞台上表演时,决不能离开对人物心理过程的创造,孤立地概念地去表演情感本身,是表演不出来的“最佳表现形式”的,给人的印象反而是:“表演过火”或者“硬挤出来的感情”,生硬而别扭的错误表演让人感到可笑。

四、演员在创造人物情感体验中的创作状态

演员创造角色的过程,是一个复杂的过程,演员从接触剧本,到了解角色,体验生活,再开始排练,最后到演出,整个过程都是演员的创造角色的过程,演员在这个过程中,为了更好地诠释好自己所要扮演的角色,总是在不断地对人物深化地了解,对“‘想象中的形象”进行更加完善的构思,并表演的越来越熟练,对人物的感受也就会越有深度,越来越来得心应手,力图使人物内心世界和外部特征达到一个完整、统一的整体形象。